Barbara Hammer – Tourist

Título: Tourist
Director: Barbara Hammer
Año: 1984
Duración: 02:51
Color: Color
País: USA

En Tourist, Barbara Hammer describe un viaje a Europa. El flujo de imágenes se manipula con un ritmo sincopado, para alterar la percepción de lugares que parecen conocidos e infundir un sentimiento de ansiedad y alienación, a ritmo de sintonía de videojuego Arcade. En el vídeo, el viaje no es una experiencia de descanso relajante, sino una actividad estresante alimentada por el miedo a perder algo. Moraleja: la 'mirada' turística es tan efímera como la animación del collage.

Army of Kids – For Ex-Lovers Only

Título: For Ex-Lovers Only
Director: Army of Kids
Año: 1990
Duración: 02:43
Color: Color
País: USA

Black Tambourine fue una banda de noise pop estadounidense, formada por Pam Berry, Brian Nelson, Archie Moore y Mike Schulman. Junto a otras bandas del sello Slumberland Records, guiaron el camino del movimiento twee pop estadounidense de los 90’s. El vídeo, de la canción For Ex-Lovers Only del disco homónimo Black Tambourine, fue editado por Army of Kids a partir de imágenes de archivo de Super-8 filmadas por Daniel Searing Jr en la sesión de radio WMUC de la banda el 18 de marzo de 1990.

Storm De Hirsch – Peyote Queen

Título: Peyote Queen
Director: Storm De Hirsch
Año: 1965
Duración: 08:56
Color: Color
País: USA

Poetisa Beat y pionera del cine underground estadounidense, Storm de Hirsch traslada sus intereses por la mística oriental y los estados alterados de conciencia a la escena neoyorkina de los años 60. Entre su heterodoxa filmogrtafía, Peyote Queen (segundo film de la trilogía The Colour of Ritual) aparece como una película-talismán que combina diferentes recursos del «cine sin cámara» para explorar el color y el ritmo de una percepción expandida.

Peter Tscherkassky – Coming Attractions

Título: Coming Attractions
Director: Peter Tscherkassky
Año: 2010
Duración: 25:10
Color: B/N
País: Austria

Peter Tscherkassky (L’arrivée, Outer Space, Instructions for a Light and Sound Machine) es uno de los nombres fundamentales del found footage, como género del cine experimental. Mediante técnicas artesanales de copiado por contacto y a través de un minucioso trabajo de resignificación de imágenes, el autor explora en Coming Attractions los vínculos posibles entre el cine de los orígenes, el cine de vanguardia y el mundo de la publicidad.

Claudio Caldini – La escena circular

Título: La escena circular
Director: Claudio Caldini
Año: 1982
Duración: 08:41
Color: Color
País: Argentina

Claudio Caldini toma el legado de Jorge Honik y Narcisa Hirsch para ahondar en una mirada plástica de la realidad, priorizando la no intervención en la percepción y registro de la imagen. El cortometraje La escena circular es un ejemplo de su interés por huir de la comodidad de las formas preestablecidas que han dominado la escena experimental y facturar un cine artesanal e intuitivo, redescubierto como una máquina de la memoria afectiva.

Kurt Kren – 15/67 TV

Título: 15/67 TV
Director: Kurt Kren
Año: 1967
Duración: 04:10
Color: B/N
País: Austria

Cinco secuencias cortas, cada una de ocho fotogramas de duración, todas rodadas desde el mismo punto de vista en una cafetería. Película estructural del austriaco Kurt Kren, 15/67 TV nos muestra una ventana, siluetas de objetos y gente paseando por el exterior. Cada toma, en la que se aprecian breves movimientos, se repite veintiuna veces en el film, en un orden establecido matemáticamente. Pero la importancia de este experimento no radica en las secuencias matemáticas como tales, sino en cómo el espectador intenta descifrar la estructura.

Trisomie 21 – The Last Song


Título: The Last Song
Director: Trisomie 21
Año: 1986
Duración: 07:30
Color: Color
País: Bélgica

Trisomie 21 fue una banda creada por Hervé y Phillipe Lomprez en 1980. Su primer album Le repos des enfants heureux fue editado en 1983 y alcanzó los elogios de la crítica en Bélgica y Paises Bajos donde fueron comparados con Joy Division, The Cure y The Durutti Column. Muchos álbumes siguieron con gran éxito a éste, como Passion Divisée, Chapter IV, del cual surgiría The Last Song, canción que llegó a alcanzar los primeros puestos en las listas de ventas y que aquí aparece ambientada en un club de new wave llamado Chabiens 777 en 1986.

Cassandra Stark – Wrecked on Cannibal Island

Título: Wrecked on Cannibal Island
Director: Cassandra Stark
Año: 1986
Duración: 06:45
Color: Color
País: USA

Casandra Stark fue una de las figuras notables del "Cine de la transgresión" que floreció brevemente en el Lower East Side de Nueva York en los años 80. Apareció en cortometrajes de Nick Zedd (Go To Hell) y Richard Kern (X is Y, Submit To Me Now), y dirigió algunas películas de confrontación propias como Wrecked on Cannibal Island. Un trabajo donde aparecen Jack Natz y la propia Stark como una pareja que tiene una discusión explosiva y violenta sobre las tareas domésticas, tras la cual hay una breve separación y un muy particular reencuentro.

Amos Poe – Ladies & Gentlemen

Título: Ladies & Gentlemen
Director: Amos Poe
Año: 2012
Duración: 23:04
Color: Color
País: USA

Más conocido por su vinculación con el movimiento cinematgráfico de la No Wave a principios de los 80 (Night Lunch, The Blank Generation, Unmade Beds), Amos Poe ha seguido haciendo películas de bajo presupuesto bajo el lema del "hazlo tú mismo”. Aquí su cámara errante captura el movimiento y la intensidad del sonido de la Línea L del metro de la ciudad de Nueva York. A medida que comenzamos a apreciar la diversidad de las personas, vistas y sonidos del recorrido de metro, llegamos a comprender su significado y belleza ocultos.

Johannes de Silentio – If Not Winter

Título: If Not Winter
Director: Johannes de Silentio + Albert Alcoz
Año: 2020
Duración: 32:06
Color: B/N
País: España

Pieza compuesta como Johannes de Silentio (a.k.a. Shak Benavides), junto al trabajo visual de Albert Alcoz, para participar en el festival Ruido Vírico de Audiotalaia, en Mayo de 2020. El ambient experimental y los sonidos minimalistas de Benavides se fagocitan con las imágenes vouyeristas de Albert Alcoz, rodadas estratégicamente desde una ventana. Secuencias que van progresando poco a poco, sometidas a distintos trucos y efectos, al hilo de una caudal musical sin desperdicio.

Tadanori Yokoo – Kachi Kachi Yama

Título: Kachi Kachi Yama
Director: Tadanori Yokoo
Año: 1965
Duración: 08:17
Color: Color
País: Japón

Cortometraje donde el diseñador gráfico y ocasional animador, Tadanori Yokoo -también conocido como el "Andy Warhol" japonés-, retrata a muchos de los iconos de la cultura pop de los sesenta, en una trama psicodélica donde podemos ver, entre otros, a The Beatles, Alain Delon, Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor o Richard Burton. Un dechado de arte pop, de colorido y energía, del que su autor acabaría renegando tras visitar una retrospectiva de Picasso que le acabó cambiando la vida.

Vincent Collins – 200

Título: 200
Director: Vincent Collins
Año: 1976
Duración: 02:59
Color: Color
País: USA

Psicodélico tributo a Estados Unidos en su 200º aniversario, realizado por Vincent Collins en respuesta a la petición de la United States Information Agency (USIA), la agencia de propaganda del gobierno estadounidense. Para su autor y en su día, “un intento de animar la celebración del “Bicentenario” que de otro modo sería banal y sin incidentes”. Según el entusiasta de la investigación y uso de sustancias psicodélicas Tim Leary, “un homenaje al país muy logrado y reconfortante”.

Len Lye – Tal Farlow

Título: Tal Farlow
Director: Len Lye
Año: 1980
Duración: 02:27
Color: B/N
País: USA

Len Lye creó una serie de imágenes rayadas en la década de 1950, más regulares o geométricas que su estilo habitual, para acompañar a Rock 'n' Rye, una pista del guitarrista de jazz Tal Farlow, que no pudo terminar. Regresó al material en 1980 pero murió antes de que que pudiera terminar de sincronizar imágenes y música. Su asistente Steven Jones completó la edición bajo la supervisión de Ann Zeiss, la viuda de Lye que había estado estrechamente involucrada en la producción de todas sus películas.

Robert Breer – 70

Título: 70
Director: Robert Breer
Año: 1970
Duración: 04:33
Color: Color
País: USA

Realizada con pintura en aerosol y plantillas cortadas a mano, esta película fue un intento de máxima intensidad plástica por parte de un autor que se colocaba por primera vez entre los principales coloristas de la vanguardia. En lugar de la doble exposición o de la sobreimpresión de todo el material, lo que hace Breer aquí es entrelazar tres fotogramas diferentes, alternando las imágenes. La película se comercializó con motivo de la publicación del dvd Le mouvement des images del Centre Pompidou en 2006.

Evelyn Lambart + Norman McLaren – Begone Dull Care

Título: Begone Dull Care
Director: Evelyn Lambart + Norman McLaren
Año: 1949
Duración: 07:50
Color: Color
País: Canadá

Begone Dull Care, dirigida por Norman McLaren y Evelyn Lambart, es lo que podríamos llamar “jazz dibujado” o “animación jazzeada”. La sincronización entre lo pictórico (entremezclando distintas técnicas: dibujo en positivo, negativo, geometría abstracta, garabatos aleatorios, estampados cromáticos, surrealismo gráfico y figuración extenuada hasta lo incorpóreo) y la rítmica musical del jazz de Oscar Peterson Trio, da a la película una intensa vida propia y un aura mágica.

Philippe Garrel– Le Bleu des Origines

Título: Le Bleu des Origines
Director: Philippe Garrel
Año: 1979
Duración: 48:40
Color: B/N
País: Francia

Realizado por Philippe Garrel en 1979 con una cámara silente de manivela, Les Bleu des Origins es un trabajo que representa el regreso a los fundamentos más crudos de los orígenes del cine mudo, reemplazando cualquier rastro de narrativa o incluso diálogo con un énfasis en primeros planos de rostros de mujeres. La película es en blanco y negro y traza un viaje al álbum íntimo de Garrel con las dos musas que contaron en su vida cinematográfica: Nico y Zouzou.

Jon Moritsugu – Braindead

Título: Braindead
Director: Jon Moritsugu
Año: 1987
Duración: 02:00
Color: Color
País: USA

The New York Times describió las películas de Jon Moritsugu, cineasta de culto estadounidense, como "divertidas, anárquicas, provocadoras y estimulantes”. Las acostumbraba a rodar en 16 mm y priorizaba el énfasis en el espectáculo visual y el sonido muy por encima del flujo narrativo y la historia, para crear comedias absurdas, sátiras y deconstrucciones de géneros populares y formatos, con una intención punk y una estética lo-fi marca de la casa.

Lewis Klahr – False Aging

Título: False Aging
Director: Lewis Klahr
Año: 2008
Duración: 14:43
Color: Color
País: USA

En Falsing Aging, Lewis Klahr habla de la sensación de vivir a destiempo con el resto del mundo, de una suspensión de la progresión interminable de las horas. Dividida en tres secciones, la película comienza con un supuesto tono optimista que va decayendo, entre evocadores collages de imágenes y frágiles retratos de nostalgia y desesperación, para reflexionar sobre el dolor de envejecer, la soledad y el aislamiento, al ritmo de la música de Jefferson Airplane y las palabras de Andy Warhol, de fondo.

David Wojnarowicz – Heroin

Título: Heroin
Director: David Wojnarowicz
Año: 1981
Duración: 05:22
Color: Color
País: USA

Heroin es un cortometraje de cinco minutos que hizo David Wojnarowicz -fotógrafo, escritor, pintor, cineasta, artista de performance, compositor y activista del sida en el mundo del arte neoyorquino- antes de comenzar a colaborar con el movimiento Cinema of Transgressionen, en la primera mitad de los ochenta. El proyecto inacabado fue recuperado por la artista Marion Scemama en la Biblioteca Fales. Tanto la película como la canción se hicieron ex profeso en 1981.

Stan Brakhage – Thot-Fal’N

Título: Thot-Fal’N
Director: Alan Clarke
Año: 1978
Duración: 13:57
Color: Color
País: USA

Thot-Fal'N es una pieza típica del montaje de Stan Brakhage: nueve minutos de primeros planos silenciosos, tomas borrosas y clips ocasionales de calles o personas en su vida cotidiana. Pero aquí la diferencia la marca el reparto: Jane Brakhage, Tom y Gloria Bartek, Williams Burroughs, Allen Ginsberg, Peter Olovsky y Phillip Whalen. La flor y nata del cine experimental y las letras menos ortodoxas de los Estados Unidos, al servicio del lirismo no narrativo del artífice de Tortured Dust y Flesh of Morning.

Joseph Cornell – A Legend For Fountains

Título: A Legend For Fountains
Director: Joseph Cornell
Año: 1965
Duración: 19:29
Color: B/N
País: USA

Junto con Marie Menken, Joseph Cornell fue la mayor influencia en Stan Brakhage y Jonas Mekas, las principales figuras detrás del auge de la película-diario. Y lo fue gracias a películas como esta, un remontaje de Fable for Fountains  realizado ocho año más tarde con intertítulos de Poeta en Nueva York, de Federico García Lorca, donde vemos a la asistente de Cornell, Suzanne Miller, y a su gato mientras deambulan por algunos de los vecindarios favoritos del director en Little Italy y el Lower East Side neoyorquino.

Ian Helliwell – Letratone Leader

Título: Letratone Leader
Director: Ian Halliwell
Año: 2009
Duración: 01:44
Color: Color
País: UK

La imagen de Letratone Leader consta de tiras de metraje de super 8 estampadas con marcas de identificación de Kodak y Fuji, sometidas a distintas inversiones de color. Las secuencias de Letratone texturizada aplicadas directamente a la película transparente se alimentaron a través de un proyector que tradujo las imágenes en una variedad de tonos. Y para crear el sonido sintético de la banda sonora, el director utiilizó únicamente película de 16 mm.

Steve Cutts – In The Fall

Título: In The Fall
Director: Steve Cutts
Año: 2011
Duración: 01:44
Color: B/N + Color
País: UK

In the Fall es el primer cortometraje de Steve Cutts. En él, vemos a un hombre que se resbala con una piel de plátano y cae al vació desde lo alto de un edificio mientras ve toda su vida como si fuera una película. Las imágenes de su infancia y adolescencia están llenas de felicidad y grandes momentos, pero al llegar a la vida adulta sus recuerdos se reducen a trabajar rellenando informes en una oficina y poco más. Una fantástica reflexión de cómo malgastamos el tiempo en nuestra vida.

Alan Clarke – Christine

Título: Christine
Director: Alan Clarke
Año: 1987
Duración: 51:25
Color: Color
País: UK

El cine del británico Alan Clarke ensayó una genealogía y política de la violencia, y nos legó una poética audiovisual del caminar que Christine refleja como ninguna otra de sus películas. Aquí la protagonista es una adolescente adicta a la heroína que recorre las calles de su ciudad para repartir droga a consumidores tan jóvenes como ella. La película, despojada de manipulaciones melodramáticas, pone el foco en una sociedad donde los cuidados y los afectos brillan por su ausencia.

Robert Janker – Roentgenfilm I

Título: Roentgenfilm I
Director: Robert Janker
Año: 1936
Duración: 10:04
Color: B/N
País: Alemania

Robert Janker fue un científico pionero en el diagnóstico radiológico de sistemas esqueléticos, la tecnología de fotografía de rayos X, la fotografía de pantalla luminiscente, la cineradiografía de rayos X y la radioterapia. Un médico avanzado a su tiempo que acostumbraba a documentar su práctica médica en películas como Roentgenfilm I, que muestra el recorrido de los alimentos por todo el sistema digestivo, desde la boca hasta el colón, pasando antes por el tórax y los intestinos.

Paul Clipson – Within Mirrors

Título: Within Mirrors
Director: Paul Clipson
Año: 2008
Duración: 21:18
Color: Color
País: USA

No es raro que la generación actual de músicos experimentales o ruidistas incorpore el cine en sus directos. Pero muchas veces las imágenes parecen elegidas arbitrariamente, como si fueran seleccionadas para dar a la audiencia algo que mirar durante las actuaciones mientras los artistas permanecen estáticos. En raras ocasiones la relación de la música abstracta con las imágenes cinematográficas con las que se empareja es simbiótica. Tal es el caso de Within Mirrors, estrenada en 2008 por Paul Clipson con música de Jefre Cantu-Ledesma.

Martha Colburn– Wrong Time Capsule

Título: Wrong Time Capsule
Director: Martha Colburn
Año: 2005
Duración: 03:03
Color: Color
País: USA

Martha Colburn es una cineasta norteamericana conocida fundamentalmente por sus películas de animación, que crea a partir de técnicas con marionetas, collage y pintura sobre cristal. Ha realizado más de cuarenta filmes desde 1994 y muchos de ellos están asociados a la industria musical como Wrong Time Capsule, canción de la banda de San Francisco Deerhoof, del álbum The Runners Four, donde Colburn vuelca su característico estilo en una obra fluida y sin pretensiones con una iconografía marca de la casa.

Robert Nelson – Bleu Shut

Título: Bleu Shut
Director: Robert Nelson
Año: 1971
Duración: 33:04
Color: B/N
País: USA

En Bleu Shut, aclamada como una verdadera obra maestra desde el día de su estreno, Robert Nelson combina películas caseras, anuncios y otros artefactos de la cultura pop para crear una atmósfera parecida a la de un programa de juegos, perverso y cargado de humor, con el que criticar la búsqueda burguesa del placer. Entre sus curiosidades, el reloj que marca el tiempo, superpuesto en la esquina superior derecha, para evitar a la audiencia la molestia de estar estirando el cuello para ver cuánto falta para que termine la película.

Józef Robakowski – Market

Título: Market
Director: Józef Robakowski
Año: 1970
Duración: 04:23
Color: B/N
País: Polonia

La primera pieza realizada por el Workshop of Film Form, un club académico de la Escuela de Cine de Łódź (Polonia) en los 70, fue Market de Józef Robakowski. Una película animada -asociada por muchos al cine estructuralista del momento-, compuesta por imágenes de la plaza del mercado de la ciudad, el Czerwony Rynek, tomadas cada cinco segundos en un solo día, entre las siete de la mañana y las cuatro de la tarde. Con ella, lo que quería demostrar era que la supuesta sensación de realidad del film es simplemente un producto de la tecnología.

Warren Burt – Easter Colour Mix

Título: Easter Colour Mix
Director: Warren Burt
Año: 2011
Duración: 04:59
Color: Color
País: Australia

Inspirándose en la serie de películas Three Color Separation de Arthur y Corinne Cantrill, una mañana de Semana Santa de 2011 Warren Burt registró con las tres gamas de color de su teléfono móvil (rojo, verde y azul) tomas de treinta segundos de personas que paseaban alrededor del Cliffy's Cafe de Daylesford (Vic, Australia). Una vez en casa, estiró cuanto pudo tanto los vídeos como el sonido originales y remató la pieza con dos pistas de piano eléctrico, en la proporción rítmica de 84:87, separadas aproximadamente por un tercio menor (6:5).

Erkki Kurenniemi – Carnaby Street

Título: Carnaby Street
Director: Erkki Kurenniemi
Año: 1968
Duración: 04:07
Color: Color
País: Finlandia

La historificación y recuperación de todas las aportaciones tecnológicas y artísticas de Erkki Kurenniemi (divulgador científico, filósofo, futurólogo, diseñador, pionero de la cultura mediática, cineasta experimental...) no se produjo hasta 2002, año en el que Mika Taanila compiló las primeras grabaciones musicales del genio finés en el disco “Äänityksiä / Recordings 1963-1973” (Love Records, 2002), y, un año después, gran parte de su trabajo en el DVD “The Dawn Of Dimi” (Kinotar, 2003), que incluye esta película callejera espontánea, un registro del "swinging London" al que Kurenniemi había viajado para evaluar el potencial comercial de su instrumento DIMI-A.

Guy Maddin – The Heart of The World

Título: The Heart of The World
Director: Guy Maddin
Año: 2000
Duración: 06:07
Color: B/N
País: USA

Maddin, un cineasta inclasificable que hacía películas experimentales muy influenciadas por la estética de la era muda y de inicios del sonoro, aceptó en el año 2000 el encargo del Festival de Cine de Toronto y decidió crear un filme que fuera un homenaje a las vanguardias soviéticas. Montada a un ritmo vertiginoso, The Heart of the World explica la historia de dos hermanos, un sepulturero y un actor que interpreta a Jesucristo, enamorados de la misma mujer, una científica que estudia el corazón de la Tierra y que descubre que está a punto de colapsar.

José Antonio Sistiaga – …ere erera baleibu izik subua aruaren…

Título: …ere erera baleibu izik subua aruaren…
Director: José Antonio Sistiaga
Año: 1970
Duración: 01:11:01
Color: Color
País: España

La obra de José Antonio Sistiaga transita entre la pintura y el cine experimental, dos lenguajes en los que mantiene una coherencia conceptual y poética. Producida por X Films, ...ere erera baleibu izik subua aruaren... es una obra dentro de lo que se ha llamado «cine sin cámara», un filme pintado a mano directamente sobre celuloide de 35 mm, fotograma a fotograma. Su originalidad reside en la importancia que el autor deposita en el tiempo y el movimiento, rechazando cualquier tipo de banda sonora que distraiga al espectador de la pintura.

Ivan Balad’a – Metrum

Título: Metrum
Director: Ivan Balad’a
Año: 1967
Duración: 09:27
Color: B/N
País: Checoslovaquia

En 1967, la Sociedad de Amistad Checoslovaco-Soviética (Svaz ceskoslovemko-sovetskeho pfdtelstvi) asignó a un par de veteranos cineastas del ejército, el director Ivan Balad’a y el camarógrafo Juraj Sajmovic, la realización de un documental sobre el transporte público en Moscú. Al llegar, descubrieron que el metro no funcionaba como esperaban pero se apostaron igualmente en las estaciones y empezaron a disparar y a rodar a las multitudes subiendo y bajando por sus grandes escaleras mecánicas y caminando por sus interminables pasillos.

José Antonio Maenza – El lobby contra el cordero

Título: El lobby contra el cordero
Director: José Antonio Maenza
Año: 1968
Duración: 01:41:04
Color: Color + B/N
País: España

José Antonio Maenza fue un cineasta español de vanguardia cuya trayectoria se recoge en tres largometrajes producidos todos a finales de los años 60: Orfeo filmando en el campo de batalla, Hortensia y El lobby contra el cordero. En este trabajo, que supuso en realidad su debut, arroja muchas de las ideas que le acompañaron en su corta pero intensa trayectoria: revolución, sexualidad, marxismo, situacionismo, happening, performance, ritualidad, representación y collage.

Stan Brakhage – Visions in Meditation #3: Plato's Cave

Título: Visions in Meditation #3: Plato's Cave
Director: Raquel Meyers
Año: 1990
Duración: 16:40
Color: Color
País: USA

La melancolía que invade la serie de Fausto y que se adhiere al periegeton de Faust 4 se disipa por completo en Visions in Meditation, una serie de cuatro películas hechas entre 1989 y 1990 que Stan Brakhage filma y monta con una energía y una agudeza renovadas, después de superar una época de crisis. Frente al tono desalentador de sus trabajos anteriores, aquí renueva su confianza en la elocuencia de la cámara corporal en movimiento y su compromiso vital con el paisaje y la naturaleza.

Amos Poe – Unmade Beds

Título: Unmade Beds
Director: Amos Poe
Año: 1976
Duración: 01:10:08
Color: B/N
País: USA

Unmade Beds es una reinvención de la nouvelle vague en el contexto de Nueva York, una de las primeras películas de la New Wave / No Wave dirigida por Amos Poe, con Debbie Harry, Ivan Kral y Robert Gordon, sobre un joven artista que cree que su cámara es un arma de verdad, que él es la mímesis de Jean-Paul Belmondo y que Nueva York es, en realidad, París. También es un romántico y esa es su perdición. Cuando se enamora, el delicado equilibrio del mundo que él se ha creado de pronto se interrumpe y deja de tener sentido.

George Kuchar – The Mongreloid

Título: The Mongreloid
Director: George Kuchar
Año: 1978
Duración: 08:48
Color: Color
País: USA

George Kuchar fue un director de cine underground conocido por su estética low-fi. En The Mongreloid, documenta la relación con su perro Boko y las regiones que habitaban, cada uno dejando su propia marca distintiva en el paisaje. En un momento determinado, el entusiasmo degenerado con el que el autor aspira a evocar los placeres excretores del perro subraya el absurdo y el patetismo deliberadamente buscado de esta peculiar ficción del compañerismo.

Katy Towell – Don’t Go Near The Old Ash Tree


Título: Don’t Go Near The Old Ash Tree
Director: Katy Towell
Año: 2011
Duración: 01:33
Color: B/N
País: USA

Katy Towell es la creadora del sitio web Childrin R Skary y los cortos animados La canción del ruiseñor, La suerte de Ida y La niña olvidada por absolutamente todo el mundo (incluso el cartero). También es diseñadora gráfica, escritora e ilustradora en Portland y sueña con ser algún día la anciana aterradora de la casa sobre la que todos los niños del vecindario cuentan historias de fantasmas. No va por mal camino a la vista de la filmografía que va dejando a sus espaldas.

David Lynch – 16mm

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Título: 16mm
Director: David Lynch
Año: 1968
Duración: 21:40
Color: Color
País: USA

David Lynch filmó este desconocido cortometraje cuando vivía en Filadelfia con su primera esposa Peggy Lentz, la mujer pálida de la película, y hacía cortometrajes para obtener una subvención del American Film Institute, que le permitiera dirigir The Grandmother. Editado y compilado en 2008 a partir de fragmentos y experimentos filmados en 1968, el material fue revisado y cortado con música por Krzysztof Penderecki y lanzado en el set de DVD Lime Green que se vendió a través de davidlynch.com.

Raquel Meyers – Inattention

Título: Inattention
Director: Raquel Meyers
Año: 2020
Duración: 02:30
Color: Color
País: España

Animación con técnica de teletexto realizada para la residencia Irudika 2020, Inattention (desatención) es una pieza de Raquel Meyers que reflexiona sobre el estado de alarma provocado por el COVID-19 y la ferocidad de los algoritmos, las matemáticas financieras y la tecnología en estos tiempos particularmente adversos. Una propuesta audiovisual radical e innovadora, que utiliza técnicas obsoletas para transmitir una imagen del mañana generando una nostalgia del futuro.

Ian Halliwell – Beneath the Watercolour

Título: Beneath the Watercolour
Director: Ian Halliwell
Año: 2018
Duración: 02:08
Color: Color
País: UK

Fragmento de una película casera en formato super 8, primero sumergida en lejía y vinagre, después recortada e invertida y finalmente completada con una banda sonora hecha con los generadores de tono Hellitron, creados por el talento sin igual del inglés Ian Helliwell, un artista multimedia que hace auténticas maravillas en el ámbito que le apetezca tocar según el momento: música, películas, animación, electrónica analógica, construcción de instrumentos, collage o instalaciones.

Erik Pauser, Kristian Petri, Johan Söderberg – Tokyo Noise

Título: Tokyo Noise
Director: Erik Pauser, Kristian Petri, Johan Söderberg
Año: 2002
Duración: 01:19:38
Color: Color
País: Suecia

Ruido es perturbación sonora. Sonidos confusos. Vibraciones inarmónicas. Electricidad estática. La ecuación tiene una sola incógnita. Ruido + Siglo XXI = Tokyo. Allí, en la capital del imperio del sol naciente, los artistas reflejan los síntomas de una sociedad enferma, la japonesa, que se ahoga en sus propias interferencias. Este documental no habla sólo sobre música: habla sobre el caos que oculta lo contemporáneo, sobre el ruido que esconden las imágenes de las metrópolis en las que vivimos.

Ivan Ladislav Galeta – TV Ping Pong


Título: TV Ping Pong
Director: Ivan Ladislav Galeta
Año: 1978
Duración: 02:14
Color: B/N
País: Croacia

En este ejercicio combinatorio, Ivan Ladislav Galeta nos muestra un partido de ping-pong orquestado a partir de relaciones espaciales sumamente paradójicas entre dos jugadores de tenis de mesa, mientras el director trata de conservar la impresión de tiempo real con la ayuda del sonido y el ritmo. Tratando de agotar las relaciones posibles entre dos imágenes contiguas, el croata cuestiona la identificación estándar de escena en el cine o la televisión y condiciona así nuestra actitud de observadores hacia ella.

PITA & Tina Frank – The Quarantine Concerts

Título: The Quarantine Concerts
Director: PITA & Tina Frank
Año: 2020
Duración: 42:38
Color: Color
País: USA

The Quarantine Concerts es un proyecto de Experimental Sound Studio (Chicago, USA) y Front Porch Productions destinado a brindar a músicos y artistas un espacio propio para compartir su trabajo y continuar ganándose la vida durante este tiempo en el que la mayoría de conciertos y presentaciones en vivo se han cancelado debido al COVID-19. La que aquí vemos es la intervención de PITA y la artista multimedia Tina Frank el pasado 29 de agosto de 2020.