Erkki Kurenniemi – Firenze

Título: Firenze
Director: Erkki Kurenniemi
Año: 1970
Duración: 09:14
Color: Color
País: Finlandia

Filmada durante un viaje a una conferencia sobre música electroacústica, Firenze es un rico collage de dobles exposiciones. Imágenes de los Alpes, Milán y Florencia se fusionan con impresiones del verano finlandés. La cámara de cine Pathé de 16 mm le permitió a Kurenniemi retroceder, revisar y volver a filmar los mismos fotogramas. La película original en 16 mm era muda, pero en 2003 Mika Taanila y el propio Kurenniemi agregaron para esta versión las composiciones grabadas Prelude (1969) y The Tap (1970).

Norman McLaren – Mail Early

Título: Mail Early
Director: Norman McLaren
Año: 1941
Duración: 01:46
Color: Color
País: Canadá

La primera película de Norman McLaren para la NFB se realizó cuando John Grierson le pidió que dirigiera un cortometraje promocional para Canada Post recordando a los canadienses que enviaran sus tarjetas de Navidad con anticipación. Para este trabajo, McLaren dibujó símbolos con bolígrafo en papel transparente de 35 mm, que luego se superpuso a un fondo pintado fotografiado. La interpretación de Benny Goodman de Jingle Bells proporciona el acompañamiento musical.

Derek Jarman – Art of Mirrors

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Título: Art of Mirrors
Director: Derek Jarman
Año: 1973
Duración: 05:51
Color: Color
País: UK

Derek Jarman no sólo fue pintor antes de aventurarse en el mundo del cine, sino que su mentalidad de pintor impregna toda su obra, en particular sus experimentos con películas Super 8 como es el caso de Art of Mirrors. Un cortometraje con la pátina de una hermosa pintura en la que distintos personajes se mueven en el primer y segundo plano de un espacio vacío, animado únicamente por los destellos ocasionales provocados por distintos espejos.

Mykyta Lyskov – Imaginary Landscapes

Título: Imaginary Landscapes
Director: Mykyta Lyskov
Año: 2019
Duración: 04:35
Color: B/N
País: Ucrania

Abstracto y, sin embargo, inexpresablemente inquietante, este corto experimental del animador ucraniano Mykyta Lyskov imagina paisajes a través de manchas y líneas sometidas a ritmos parpadeantes. Debido a la alta velocidad y al movimiento inestable de la imagen, las texturas de grano fino adquieren cualidades tridimensionales y evocan protopaisajes melancólicos que oscilan entre la abstracción real y la imaginada. Mejor cortometraje no narrativo en la edición de 2022 del festival Anifilm.

Abigail Child – Mutiny

Título: Mutiny
Director: Abigail Child
Año: 1983
Duración: 10:07
Color: Color
País: USA

Esta película, que forma parte de la serie Is This What You Were Born For?, emplea una panoplia de expresión, gesto y movimiento repetido. Sus imágenes centrales son de mujeres en casa, en la calle, en el trabajo, en el colegio, hablando, cantando, saltando en trampolines o tocando el violín. Con un montaje vertiginoso y un tratamiento disruptivo del sonido, la cineasta problematiza tanto las imágenes de nuestra iconosfera como nuestra posición como espectadores.

Max Hattler – Sync

Título: Sync
Director: Max Hattler
Año: 2010
Duración: 09:16
Color: Color
País: Alemania

Max Hattler es un videoartista y productor experimental alemán cuyo trabajo explora las relaciones entre la abstracción y la figuración, la estética y la política, el sonido y la imagen, la precisión y la improvisación. Es conocido por sus cortos caleidoscópicos de inspiración política (Collision, Spin), por sus proyectos de corte abstracto (Shift, AANAATT) y por la animación psicodélica de los bucles Sync, galardonada con el prestigioso Visual Music Award del INM de Frankfurt (Alemania) en su edición de 2011.

Barbara Sternberg – Transitions

Título: Transitions
Director: Barbara Sternberg
Año: 1982
Duración: 11:28
Color: Color
País: Canadá

En este cortometraje que se podría ubicar en el terreno del fantástico, Barbara Sternberg reproduce el estado mental propio de una persona con ansiedad y depresión, donde se cruzan las diferentes líneas temporales del pasado, presente y futuro, que se dan cita en una constante voz en off que viene y va, recorriendo una y otra vez lugares comunes de su patrón de pensamiento, desactivando por el camino la capacidad de acción de un personaje perpetuamente anclado a una cama, de la que parece incapaz de escapar.

Morgan Fisher – Standard Gauge

Título: Standard Gauge
Director: Morgan Fisher
Año: 1984
Duración: 34:00
Color: Color
País: USA

Standard Gauge es un mediometraje autobiográfico que examina el trabajo de Morgan Fisher como editor en la industria cinematográfica. La película pasa a través de pedazos de material rechazados junto con comentarios sobre el significado de todas las imágenes desechadas y funciona como un relato y/o crítica de los procesos de significado dentro de la producción cinematográfica, a través de un examen tanto del materialismo como de la institución de la película misma.

Jae-Eun Suh – Through the lens

Título: Through the lens
Director: Jae-Eun Suh
Año: 2021
Duración: 01:42
Color: Color
País: USA

Jae-Eun Suh es una artista coreana que usa la imagen digital para crear composiciones deconstruidas mediante capas y reconstrucción. En Through the lens, utiliza setenta y dos vídeos hemisféricos sobre fondo negro para desdibujar la impresión de espacio y profundidad dentro de la escena y sugerir así una nueva forma de ver el entorno. La composición general del vídeo es plana, pero los vídeos hemisféricos redondos sobresalen de algún modo, desafiando al espectador con una perspectiva distorsionada e invertida.

Varios – Make a Movie

Título: Make a Movie
Director: Varios
Año: 1973-2011
Duración: 09:16
Color: Color
País: USA

Durante los últimos años, Coleen Fitzgibbon ha estado preservando sus primeras películas en Super-8 y 16 mm, muchas de ellas no proyectadas desde mediados de los años 70. Entre las que ella categoriza como Diary Films (bocetos cinematográficos íntimos, retratos, relatos de viajes y películas caseras), destaca Make a Movie, un trabajo colectivo en el que participaron Saul Levine, Coleen Fitzgibbon, Marjorie Keller, Ramon White y otros para experimentar con el sistema de cámara de sincronización de sonido de Ricky Leacock.

Gérard Courant – Coeur bleu

Título: Coeur bleu
Director: Gérard Courant
Año: 1980
Duración: 01:19:54
Color: Color
País: Francia

Dedicada a Abel Gance, Coeur bleu fue uno de los acontecimientos del Festival de Cannes de 1981. Segunda parte de la tetralogía Le Jardin des Abymes, la película, rodada en cuatro días, cuenta la historia de amor de una mujer como pretexto para hablar del cosmos, la tierra, el cielo y el agua, y nos transporta al cine italiano y las canciones de rock and roll de la década de los 50. Con temas de Brigitte Bardot, Marilyn Monroe, Leonard Cohen, y música de Vivaldi, Kraftwerk y Johan Strauss.

Clint Enns – The Everden

Título: The Everden
Director: Clint Enns
Año: 2013
Duración: 16:33
Color: B/N
País: Canadá

Los trabajos en vídeo de Clint Enns a menudo presentan experimentos de fallos y circuitos, remakes de películas clásicas de vanguardia y apropiaciones extrañas. En The Everden, crea una sensación de pánico y paranoia jugando con la resolución de la película hasta hacerla irreconocible y con ese entramado sonoro de ambientes y guitarras procesados que conspiran para crear una pieza poderosamente tensa sobre la alienación extrema en la era de la vigilancia.

Colab – All Color News

Título: All Color News
Director: Colab
Año: 1978
Duración: 22:45
Color: Color
País: USA

Colab es la abreviatura de uso común del grupo de artistas de la ciudad de Nueva York Collaborative Projects Inc, que se formó después de una serie de reuniones abiertas entre artistas de diversas disciplinas. En 1978, dirigidas por Andrea Callard y Coleen Fitzgibbon, recopilaron una serie de noticias de televisión que se transmitió por Manhattan Cable para poner en evidencia temas que sus productores originales vieron ignorados o abordados inadecuadamente en los medios de comunicación convencionales.

Ernest Gusella – Iris

Título: Iris
Director: Ernest Gusella
Año: 1979
Duración: 03:25
Color: Color + B/N
País: Canadá

Poco se sabe del artista canadiense Ernest Gusella, colaborador habitual en Nueva York de Woody y Steina Vasulka, fundadores de The Kitchen; de Nam June Paik, uno de los pioneros del videoarte; y de Sara Hornbacher, Doris Chase, Shegeko Kubota, Count Basie o Benny Powell, como operador de cámara y técnico de audio o de efectos especiales. En Iris, se limita a retratar a una mujer reproduciendo una y otra vez el mismo gesto con sus manos, en un extraño bucle en completo silencio.

Guy Sherwin – Light Cycles

Título: Light Cycles
Director: Guy Sherwin
Año: 2016
Duración: 05:14
Color: B/N
País: USA

Película documental de la exposición Light Cycles, del cineasta vanguardista británico Guy Sherwin, que tuvo lugar en la Christine Park Gallery, de Nueva York, entre el 13 y el 27 de febrero de 2016. El artista, en su primer monográfico en Estados Unidos, presentó siete instalaciones cinematográficas de 16 mm, cada una casi una naturaleza muerta, concentrada en un solo objeto o cualidad de luz. Una estrategia para experimentar con el medio cinematográfico, jugando con diferentes velocidades e indagando en las posibilidades de la luz, el movimiento y el sonido.

Bikini Kill – Rebel Girl

Título: Rebel Girl
Director: Bikini Kill
Año: 1993
Duración: 02:46
Color: Color
País: USA

Auténtico himno se mire por donde se mire, Rebel Girl nunca aspiró a convertirse en un éxito comercial pero ha sobrevivido al paso del tiempo por su trascendencia como referente feminista y por representar uno de los episodios más interesantes de la música de los noventa. La canción de Bikini Kill trascendió sus límites temporales y al poco se convirtió en cabecera de las riot grrrl, un movimiento que marcó muchas de las líneas ideológicas en la música de aquella década y que abrió camino a un montón de bandas de mujeres gracias a su libertad estilística y reivindicativa.

Steve Farrer – Infantile

Título: Infantile
Director: Steve Farrer
Año: 1979
Duración: 07:37
Color: B/N
País: UK

Infantile, de Steve Farrer, es una experimento que contradice humorísticamente la convención estilística actual conforme a la cual la marca hecha a mano emitiría un ruido apropiado al pasar por el lector óptico de sonido del proyector. Para conseguirlo, entrelazó en bucle una película transparente y una película de grabación magnética de la misma longitud, en un proyector de doble banda que puede reproducir y grabar una película sonora separada, utilizada habitualmente para la edición y postproducción.

Jane Conger Belson Shimané – Logos

Título: Logos
Director: Jane Conger Nelson
Año: 1957
Duración: 02:10
Color: Color
País: USA

Belson Shimané estrenó su primera película, Logos, en 1957, el mismo año en que su pareja, el pintor abstracto y cineasta experimental Jordan Belson (Transmutation, World, Mandala, Music of the Spheres), creó los espectáculos de luces Vortex, junto al artista sonoro Henry Jacobs. Con una partitura electrónica de Jacobs, la obra animada de Belson Shimané se presentó en festivales de estados Unidos y Europa, y realizó giras por América Latina a través de la Agencia de Información de Estados Unidos.

Maurice Lemaître – Chantal D., Star

Título: Chantal D.,  Star
Director: Maurice Lemaître
Año: 1968
Duración: 24:36
Color: Color
País: Francia

La idea inicial de Maurice Lemaître con Chantal D.,  Star fue filmar en cinéma vérité la entrevista a una aspirante a actriz sin su consentimiento, convocada por el director letrista a través de un anuncio en la revista Cinémonde. Pero por diversas razones prácticas y éticas, el proyecto dio un giro inesperado: el cineasta sólo pudo grabar el sonido y, sin darle más vueltas, desmanteló los preceptos del cinéma vérité por medio de las contrapautas letristas de la discrepancia, la cinceladura y la aniquilación de la imagen.

Anita Thacher – Homage to Magritte

Título: Homage to Magritte
Director: Anita Thacher
Año: 1974
Duración: 09:33
Color: Color
País: USA

Esta película es una acumulación de imágenes compuestas en una impresora óptica mucho antes del uso general de las actuales herramientas digitales. Realizada con anterioridad al conocimiento popular de la obra de René Magritte, Anita Thacher usó de manera convincente las imágenes del pintor surrealista para evocar monólogos interiores de mujeres. Lúdica e inventiva, el trabajo es la oda de un artista notable a otro, a través de la exploración de la plasticidad y la revelación de los elementos constitutivos de la representación cinematográfica.

Ernie Gehr – Shift

Título: Shift
Director: Ernie Gehr
Año: 1972
Duración: 07:37
Color: Color
País: USA

En Shift, Ernie Gehr explora técnicas para retratar el tráfico de una calle y reflexiona sobre el paisaje urbano y sus sistemas de circulación, verticales y horizontales. Los planos cerrados de coches pasando entre las líneas blancas de la calzada giran y se invierten revelando escenas que recuerdan a naves espaciales surcando el cielo. La sensación se subraya con el sonido disonante de los motores, más parecido al que puede escucharse en una carrera de Fórmula 1 que al habitual del tráfico urbano.

J – Tormenta eléctrica

Título: Tormenta eléctrica
Director: Los Planetas
Año: 2023
Duración: 04:29
Color: Color
País: España

Al igual que en su anterior single, Arrebato (un buen día para Iván), J de Los Planetas muestra en Tormenta eléctrica la correlación entre los elementos simbólicos y conceptuales esenciales en las propuestas del músico de Granada y el cineasta y artista gráfico donostiarra, Iván Zulueta: arte pop, psicodelia y experimentación para provocar un equilibrio entre la calma y la euforia, salpicado por un impulso rítmico minimalista y el sonido de unas guitarras eléctricas distorsionadas al punto.

Jeff Scher – bang bang

Título: bang bang
Director: Jeff Scher
Año: 1998
Duración: 03:47
Color: Color
País: USA

Jeff Scher utiliza luces, abstracciones y efectos visuales, unidos a la música, para crear sus cortos experimentales. A través de la tecnología analógica, como la rotoscopia, el artista estadounidense utiliza la yuxtaposición y el collage como puerta a un cine hipnótico y no-narrativo. En bang bang juega con manchas de tinta bilateralmente simétricas positivas y negativas similares a las del Test de  Rorschach y consigue cierto ritmo percutivo visual mientras suena la partitura escrita e interpretada por Shay Lynch.

Jean Mitry – Pacific 231

Título: Pacific 231
Director: Jean Mitry
Año: 1949
Duración: 09:53
Color: B/N
País: Francia

La galardonada película Pacific 231, dirigida por el critico y teórico del cine francés Jean Mitry, también cofundador de la Cinémathèque Française, utiliza la composición orquestal de Arthur Honegger publicada en 1923 como banda sonora en homenaje a la locomotora de vapor e incluye tomas de las ruedas motrices, los rodamientos del tren y el ferrocarril, en su mayoría tomadas mientras está en marcha, para dar por resultado un cortometraje experimental donde se unen cine, música y ritmos maquínicos.

John Hubley and Faith Hubley – Moonbird

Título: Moonbird
Director: John Hubley and Faith Hubley
Año: 1997
Duración: 20:04
Color: Color
País: UK

Moonbird es una película animada dirigida por John Hubley y Faith Hubley (ella todavía con su nombre de soltera de Faith Elliott) en la que dos niños pequeños tienen una aventura en medio de la noche mientras se escabullen e intentan atrapar un pájaro de la luna y llevarlo a casa. La película fue animada por Robert Cannon y Ed Smith, y fue, a la postre, la primera producción independiente en ganar el Premio de la Academia al Mejor Cortometraje de Animación en 1960.

Rute Leonardo – Sonic Boom / Experimental Audio Research "All Things Being Equal"

Título: Sonic Boom / Experimental Audio Research "All Things Being Equal"
Director: Rute Leonardo
Año: 2014
Duración: 10:03
Color: Color
País: Portugal

Las imágenes que aquí aparecen corresponden a un directo en el Teatro Maria Matos, de Lisboa (Portugal), el 6 de febrero de 2014 en el que Peter Kember (Sonic Boom), bajo el alias de Experimental Audio Research, interpreta uno de sus temas más conocidos, All Things Being Equal. Teclados analógicos, drones sostenidos en el espacio, texturas arremolinadas, notas dispersas y todo tipo de efectos especiales se van sumando, a lo largo de una pista que evoluciona de manera casi imperceptible.

Richard Tuohy & Dianna Barrie – Crossing

Título: Crossing
Director: Richard Tuohy & Dianna Barrie
Año: 2016
Duración: 10:40
Color: Color
País: Australia

Los cineastas Richard Tuohy y Dianna Barrie son conocidos internacionalmente por sus ingeniosas técnicas cinematográficas aplicadas a películas de 16 mm. Sus trabajos combinan creatividad, química, invención y experimentación para culminar en una sincronía fuera de lo común en forma y contenido. Crossing es un ejemplo muy ilustrativo: una película que recupera imágenes entrecruzadas de la tensión entre vecinos de Corea y Japón, y las transforma en un recuerdo etéreo con su velocidad manipulada y su trazo puntillista.

Jean Painlevé – The Fourth Dimension

Título: The Fourth Dimension
Director: Jean Painlevé
Año: 1936
Duración: 10:22
Color: B/N
País: Francia

Por encargo del departamento de matemáticas del Palais de la Découverte, Jean Painlevé filmó esta película que presentó en la Exposición Internacional de París de 1937. The Fourth Dimension es un ensayo documental sobre el espacio dimensional que, después de presentar las tres dimensiones conocidas, especula  con una hipotética cuarta dimensión, la del Tiempo. Un narrador fuera de la pantalla, distintos gráficos y los trucajes fotográficos de A.P. Dufour nos trasladan a un universo que podría firmar Lewis Carroll.

Lynne Sachs – Sermons and Sacred Pictures

Título: Sermons and Sacred Pictures
Director: Lynne Sachs
Año: 1989
Duración: 29:08
Color: Color
País: USA

Sermons and Sacred Pictures combina las películas en blanco y negro y las grabaciones de audio del reverendo L.O. Taylor con imágenes en color de los vecindarios actuales de Memphis y algunas reuniones religiosas filmadas por Lynne Sachs. Un documental experimental que nos descubre a un personaje desconocido aquí, pero muy interesado en preservar el tejido social y cultural de su comunidad en las décadas de 1930 y 1940, mucho antes de que el movimiento por los derechos civiles captara la atención de la nación.

Jenni Olson – Blue Diary

Título: Blue Diary
Director: Jenni Olson
Año: 1997
Duración: 05:35
Color: Color
País: USA

A través de la voz en off y los paisajes estáticos de San Francisco, Blue Diary cuenta la melancólica historia de una lesbiana suspirando por una aventura de una noche con una chica heterosexual. Restaurada digitalmente dos décadas después, la película pone en liza muchos de los temas que Olson llevaría más lejos en sus siguientes largometrajes de 16 mm, The Joy of Life y The Royal Road, explorando más a fondo la interconexión del lugar, el tiempo y el sexo lésbico.

Pierre Clémenti – Bobine 35-02

Título: Bobine 35-02
Director: Pierre Clémenti
Año: 1967
Duración: 11:52
Color: Color
País: Francia

De Pierre Clémenti, más conocido como el actor de Belle de jour, de Luis Buñuel, o de filmes de Pasolini, Rocha, Garrel, Visconti, Costa-Gavras, Bertolucci, etc., presentamos aquí su debut en la dirección, un trabajo filmado con su cámara de 16 mm. Realizada durante los descansos de sus rodajes como actor, o bien a lo largo de sus viajes alucinógeno-psicotrópicos con amigos y conocidos, la película tiene una fuerte carga lírica y bebe directamente del tratamiento visual de alguna de las películas de Kenneth Anger.

William S. Burroughs & Antony Balch – Towers Open Fire

Título: Towers Open Fire
Director: William S. Burroughs & Antony Balch
Año: 1963
Duración: 09:27
Color: B/N coloreado
País: USA

Burroughs veía en la tecnología nuevas formas de destruir el control, un control que residía en el lenguaje mediante el cual construimos la realidad. En Towers Open Fire, primera de sus colaboraciones con Antony Balch, él es el narrador, pero también el comandante supremo de una horda invisible que se moviliza a través de las ondas radiofónicas. Así era su visión del moderno blitzkrieg, una guerra relámpago cuyas armas más poderosas eran el lenguaje hecho pedazos, la palabra cayendo y las fuerzas móviles de la resistencia tomando los centros de mando.

Catherine Jablonski – 10354

Título: 10354
Director: Catherine Jablonski
Año: 2020
Duración: 01:03
Color: Color
País: UK

A la espera del estreno del cortometraje de terror Lacking The Boggart sobre la extraña nostalgia de regresar a un hogar olvidado hace mucho tiempo y descubrir el mal que nunca se fue, Catherine Jablonski presenta este trabajo de animación que sorprende por su factura desaliñada, sus inquietantes dibujos a raya desatada (ojos que te observan, sarcófagos cerrados, caras sufriendo) y una suma de palabras (buried, alive, bang, terror, trapped) que armonizan a la perfección con un tratamiento sonoro para salir corriendo del susto.

Margaret Tait – Aerial

Título: Aerial
Director: Margaret Tait
Año: 1974
Duración: 04:15
Color: Color
País: UK

La poeta y directora de cine escocesa Margaret Tait retrataba el discurrir de la vida, las personas y los paisajes en películas de factura íntima a las que ella misma se refería como «películas-poema». De Aerial, una de las más celebradas, dice que es una película muy simple, “si te permites responder a ella en lugar de tratar de seguirla intelectualmente”. No hay narrativa ni argumento, aunque, de algún modo, aborde en su metraje los cuatro elementos de la naturaleza (aire, agua, tierra y fuego) y se consuma como una estructura musical.

Gwendolyn Audrey Foster – Lullaby for a Pandemic

Título: Lullaby for a Pandemic
Director: Gwendolyn Audrey Foster
Año: 2020
Duración: 00:59
Color: Color
País: USA

Una canción de cuna a menudo está destinada a poner a los niños a dormir. Su propósito es cerrar los ojos del oyente. Es un género musical que merece su forma contemporánea. La hipnosis visual es sin duda un método útil para la canción de cuna, en la era de todas las pantallas. Gwendolyn Audrey Foster, cineasta experimental cuyo trabajo se centra en género, raza, sexualidad queer, estudios de clase y salud mental, aprovechó el confinamiento al que nos condujo la Covid y produjo esta “canción de cuna para una pandemia”.

Michael Snow – WVLNT (Wavelength For Those Who Don't Have the Time)

Título: WVLNT (Wavelength For Those Who Don't Have the Time)
Director: Michael Snow
Año: 2003
Duración: 15:13
Color: Color
País: USA

En 1967, Michael Snow presenta su innovador film Wavelength. En sus palabras, “un resumen de mi sistema nervioso, mis intuiciones religiosas y mis ideas estéticas”, aunque se trata esencialmente de un zoom continuo de 45 minutos, hoy considerado una obra maestra del cine experimental. En 2003, consciente de los nuevos tiempos y de la dificultad de captar la atención de los espectadores actuales, Snow lo rehace en formato digital acortándolo de 45 min a 15, dividiéndolo en tres trozos y superponiéndolos.

Barbara Hammer – No No Nooky T.V.

Título: No No Nooky TV
Director: Barbara Hammer
Año: 1987
Duración: 11:48
Color: Color
País: USA

Con una cámara Bolex de 16 mm y un ordenador, Hammer crea una película ingeniosa y sorprendente sobre cómo las mujeres ven su sexualidad frente a la forma en que los hombres perciben las imágenes de las mujeres y el sexo. El impacto de la tecnología en la sexualidad, en la emoción y en el yo sensual se explora a través del lenguaje informático y el lenguaje coloquial cotidiano del sexo.
No No Nooky T.V. confronta así la controversia feminista en
torno a la sexualidad en este periodo histórico computerizado y postindustrial.

Coni Beeson – Firefly

Título: Firefly
Director: Coni Beeson
Año: 1974
Duración: 03:51
Color: Color
País: USA

Recurriendo a técnicas muy diversas y combinando fotografía y cine, Coni Beeson se sintió enormemente atraída por la intimidad y los intercambios de energía entre los cuerpos a través de la fantasía y el tacto. Las relaciones –tanto heterosexuales como homosexuales– aparecen a veces en sus películas como reencarnaciones o expresiones poéticas vinculadas con el pasado, así como en tanto que serie de collages de paisajes habitados y tiempos compartidos.

Coleen Fitzgibbon – Portraits

Título: Portraits
Director: Coleen Fitzgibbon
Año: 1972-2015
Duración: 18:50
Color: Color
País: USA

La cineasta experimental Coleen Fitzgibbon fue estudiante de cine estructuralista en la década de 1960 en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago y el Programa de Estudios Independientes Whitney, donde estudió con Owen Land, Stan Brakhage y Carolee Schneemann, entre otros. Después trabajaría para Dennis Oppenheim, Gordon Matta-Clark y Les Levine, y empezaría a rodar y presentar piezas tan singulares como Portraits, antes de co-fundar Collaborative Projects, Inc. (a.k.a. Colab).

Desconocido – Old 8mm film footage countdown leader transparent overlay 16mm

Título: Old 8mm film footage countdown leader transparent overlay 16mm
Director: Desconocido
Año: 196?
Duración: 02:48
Color: Color
País: USA

La empresa estadoundense Eastman Kodak Company, conocida popularmente como Kodak, ha sido durante más de cien años uno de los puntales más sólidos de la fotografía y, en su momento, también de las películas de Super-8 y 16 mm. Aquí va una de las maravillas que su departamento técnico preparaba allá por los sesenta para los comienzos de las bobinas de cualquier película: una superposición transparente de cuenta regresiva de metraje de película antigua de 8 mm a 16 mm.

Jane Belson – Odds & Ends

Título: Odds & Ends
Director: Jane Belson
Año: 1959
Duración: 03:40
Color: Color
País: USA

A mediados de la década de 1950, San Francisco era una ciudad vanguardista en auge. Algunos artistas comenzaron a fusionar el cine con el jazz y la poesía, y ahí estaba Jane Belson para hacer su propia lectura de la cultura Beat en clave paródica. A las imágenes de viajes y publicidad descartadas que encontró en un laboratorio de cine local, Belson agrega una mezcla de animación y una narración hippie de Henry Jacobs mientras las imágenes avanzan a toda velocidad a través de deslumbrantes transformaciones.

Cave Girls – Colab

Título: Colab
Director: Cave Girls
Año: 1982
Duración: 30:45
Color: Color
País: USA

Cave Girls documentan un trabajo colaborativo de varias de las artistas que formaban parte de Collaborative Projects Inc., conocido popularmente como Colab, un colectivo artístico de casi cien miembros fundado en Nueva York en 1977. Entre todas ellas, vertebran una fantasía posfeminista llena de exotismo casero, concebida por Kiki Smith y Ellen Cooper, que contó con la colaboración de la bailarina Cara Brownell en la producción e incluye música de Bush Tetras y Y Pants.

James Whitney + Jordan Belson – High Voltage

Título: High Voltage
Director: Beth B & Scott B
Año: 1959
Duración: 03:06
Color: Color
País: USA

Película de vanguardia, aparentemente de una cinta de U-Matic propiedad de Gene Youngblood titulada 50s in California, High Voltage incluye corrientes fluidas de colores granulados y soles y mandalas en forma de mosaico, así como un motivo de líneas vibrantes almenadas, similar a una de las formas alucinatorias de Siegel. Lo más sorprendente, sin embargo, es el uso extensivo de la solarización, técnica que intensifica la textura granulosa de la película y crea destellos fugaces y cambios de luz y color.

Atsushi Harata – Liquid Light Paint Show [FLUID]

Título: Liquid Light Paint Show [FLUID]
Director: Atsushi Harata
Año: 2017
Duración: 42:00
Color: Color
País: Japón

Atsushi Harata es un especialista de vídeo analógico. Utiliza un proyector para hacer collages líquidos, esencialmente creando "pinturas con luz" en tiempo real. Atsushi ha compartido sus creaciones visuales en festivales de música, festivales de arte y diseño, galerías y en forma de arte escénico para producciones en vivo. Liquid Light Paint Show [FLUID] es una de sus actuaciones en directo: un espectáculo cromático con aires vintage, que retrotrae a la psicodelia de los 70.

Marjorie Keller – Herein

Título: Herein
Director: Marjorie Keller
Año: 1991
Duración: 31:11
Color: Color
País: USA

Marjorie Keller fue cineasta, activista política, editora, profesora de universidad y una figura fundamental en las comunidades del cine experimental de Nueva York y Chicago. Entre las veinticinco películas en 8 y 16 mm que conforman su filmografía, destaca Herein: un trabajo en el que aparecen imágenes de viviendas precarias, discusiones casuales, un recuento de fraudes del FBI y los chismorreos sobre Emma Goldman en el mundo de la prostitución. En última instancia, un revoltijo confuso que funciona de maravilla.

Beth B & Scott B – Vortex

Título: Vortex
Director: Beth B & Scott B
Año: 1981
Duración: 01:26:01
Color: Color
País: USA

Vortex, filmado en 16 mm y hecho por 70,000 $ gracias a una subvención del National Endowment for the Arts a través de Colab, es un drama cinematográfico noir que presenta a Lydia Lunch, compinche habitual de los directores, como una detective que se ve inmersa en las trampas corporativas y la explotación de políticos por empresas que solicitan contratos de defensa. La banda sonora contiene música de Richard Edson, Lydia Lunch, Adele Bertei, Kristian Hoffman y The Bs.

Bill Morrison – The Great Flood

Título: The Great Flood
Director: Bill Morrison
Año: 2012
Duración: 11:56
Color: B/N
País: USA

Parte del documental del cineasta Bill Morrison y el compositor y guitarrista Bill Frisell sobre las grandes inundaciones que provocó el río Mississippi en la primavera de 1927 -se inundaron más de 27.000 millas cuadradas- y el éxodo masivo de aparceros desplazados como principal consecuencia. Musicalmente, la Gran Migración de negros rurales del sur a las ciudades del norte vio el Delta Blues electrificado y reinterpretado como el Chicago Blues, Rhythm and Blues y Rock and Roll.

Sarah Minter – Nadie es inocente

Título: Nadie es inocente
Director: Sarah Minter
Año: 1987
Duración: 57:10
Color: Color
País: México

Documental ficcionado por la realizadora Sarah Minter que aborda el contexto habitual de un grupo de jóvenes habitantes de Nezahualcoyotl, uno de los históricos cinturones de pobreza de México DF, quienes además forman parte de la banda ‘Los Mierdas Punks’. La película muestra la dureza de una comunidad fragilizada y precarizada que sobrevive recuperando basura en los vertederos de la megalópolis y también las tensiones sociales a las que se enfrentan para sobrevivir.

Richard Tuohy – Ginza Strip

Título: Ginza Strip
Director: Richard Tuohy
Año: 2014
Duración: 08:54
Color: Color
País: Australia / Japón

Las obras de Richard Tuohy abundan en técnicas como la fotografía de lapso de tiempo, la fotografía de exposición múltiple, las técnicas de impresión extensivas, los procesos químicos alternativos, la filmación directa sin cámara… En Ginza Strip experimenta por primera vez con la técnica “chromaflex”, un procedimiento de revelado de color a mano, desarrollado por él y su compañera Dianna Barrie, que permite que áreas seleccionadas de la película sean positivo de color, negativo de color o blanco y negro.

Isiah Medina – Semi-Auto Colours

Título: Semi-Auto Colours
Director: Isiah Medina
Año: 2010
Duración: 06:19
Color: Color
País: Canadá

En un cortometraje muy personal y de corte autobiográfico, Isiah Medina ofrece un retrato de su adolescencia en Winnipeg, conocida como una de las ciudades más peligrosas de Canadá. La forma en que utiliza el audio y las imágenes, maravillosamente editados, para transmitir su idea en solo seis minutos es digna de admiración, tratándose de un debut cinematográfico. Medina plantea el guión como una historia elíptica y poética de la juventud, dándole a su banda sonora la mayor importancia.

Vincent Moon – Murderer

Título: Murderer
Director: Vincent Moon
Año: 2007
Duración: 04:25
Color: Color
País: Francia

Este vídeo de Murderer, una de las mejores canciones de Low, forma parte del catálogo de archivos de La Blogotheque, la plataforma que en su día creó Vincent Moon parta darle una vuelta de tuerca a la creación y difusión de vídeos musicales. El dogma es simple: un plano largo y continuo e imágenes y sonido de estilo documental. Lo que ves es lo que escuchas. Y Moon documenta una interpretación conmovedora y personal que difícilmente podrá escucharse o verse en cualquier otra plataforma.

George Landow – Thank You Jesus for the Eternal Present

Título: Thank You Jesus for the Eternal Present
Director: George Landow
Año: 1973
Duración: 05:56
Color: B/N + Color
País: USA

Una arrebatadora mezcla audiovisual, obra de George Landow, también conocido en etapas posteriores  como Owen Land. La película combina el rostro de una mujer en oración extática y contemplativa con tomas de un activista por los derechos de los animales y una modelo con poca ropa que anuncia automóviles rusos en un Salón Internacional del Automóvil en Nueva York. Thank You Jesus for the Eternal Present fue anunciada en su día como una serie, de la cual éste fue su primer y único episodio.

Derek Jarman – A Journey to Avebury

Título: A Journey to Avebury
Director: Derek Jarman
Año: 1971
Duración: 10:44
Color: Color
País: UK

De todo los trabajos previos de Derek Jarman, su breve captura de un viaje a pie desde Wiltshire hasta las piedras neolíticas en Avebury es quizás su cortometraje más interesante y complejo. Estos fueron los primeros días de experimentación de Jarman cuando su trabajo como pintor e incluso como escenógrafo todavía parecían dominar sus intereses cinematográficos. Pero no es una simple película casera o el simple testimonio de un viaje o paseo sino un artificio al servicio de los complejos procesos químicos del celuloide.

Curtis Harrington – The Wormwood Star

Título: The Wormwood Star
Director: Curtis Harrington
Año: 1956
Duración: 09:59
Color: Color
País: USA

Curtis Harrington comenzó su carrera como crítico de cine. Y antes de colaborar con Kenneth Anger en Puce Moment e Inauguration of the Pleasure Dome, dirigió varios cortos de vanguardia en las décadas de 1940 y 1950, incluidos Fragment of Seeking, Picnic y The Wormwood Star. Éste último, un estudio cinematográfico de la obra de arte de la figura del ocultismo Marjorie Cameron y colaboradora habitual de Aleister Crowley, que fue filmada en la casa del coleccionista de arte multimillonario Edward James.

Joshua Gen Solondz – Place in the World fades away

p>Título: Place in the World fades away
Director: Joshua Gen Solondz
Año: 2021
Duración: 21:19
Color: Color
País: USA

Vídeo no oficial de Place in the World fades away, de The Caretaker, pseudónimo del músico electrónico James Leyland Kirby, caracterizado por explorar la memoria, la nostalgia y la melancolía, a través de sus oscuras pero fascinantes composiciones. El realizador y también músico Joshua Gen Solondz pone su capacidad creativa al servicio del silencio, los drones y las etéreas armonías del músico de Stockport (UK) y consigue, casi sin proponérselo, un acompañamiento audiovisual estremecedor y sin mácula.

Phil Solomon – Remains To Be Seen

Título: Remains To Be Seen
Director: Phil Solomon
Año: 1989
Duración: 17:11
Color: Color
País: USA

En una encuesta de 1992 para la revista británica de cine Slight & Sound, Stan Brakhage eligió Remains to Be Seen de Solomon como una de las diez mejores películas de todos los tiempos. Dedicada a la memoria de su madre fallecida en una mesa de quirófano, la película es un viaje sensorial, compuesto por material propio y ajeno llevado hasta los límites de lo irreconocible a fuerza de un trabajo químico-óptico que hace estallar el sistema nervioso central de la emulsión cinematográfica.

Yoji Kuri – Pop

Título: Pop
Director: Yoji Kuri
Año: 1974
Duración: 02:55
Color: B/N
País: Japón

Hijo de un oficial del ejército imperial, Yōji Kuri abandonó su carrera militar al final de la guerra para dedicarse al dibujo. Publicó su primer álbum de cómics en 1958. Su talento ecléctico le permitió abordar la pintura, la escultura y luego el cine de animación. En 1961, fundó su estudio independiente y ahí produjo más de 3.000 películas, convirtiéndose en una leyenda de la animación de vanguardia. En Pop, utiliza distintos recortes y collages de celdas para describir el funcionamiento de los trenes desde varias perspectivas.

Jim Jennings – Made in Chinatown

Título: Made in Chinatown
Director: Jim Jennings
Año: 2006
Duración: 07:13
Color: Color
País: USA

Durante más de 30 años, Jim Jennings ha filmado su ciudad, Nueva York. Sus películas son más sutiles que el simple retrato urbano. Muchas veces son rodajes espontáneos en una sola localización, calle o distrito, vistos (y filmados) lejos de la realidad. No es la ciudad la que ve tras la cámara sino su luz y sus reflejos. Un exquisito claroscuro lleno de detalles y ritmo que recrea en un delicado juego de espacios. Sus películas son mudas y sin embargo transmiten la energía de la ciudad.

Nikolai Voinov – The Thief

Título: The Thief
Director: Nikolai Voinov
Año: 1934
Duración: 09:30
Color: B/N
País: URSS

Nikolai Voinov, artista sonoro ruso interesado en lo que denominaba ¨sonido artificial¨, desarrolló junto con varios compatriotas tecnologías de asombrosa originalidad y funcionamiento con materiales de simpleza inédita como las técnicas de sonido en papel o el variófono, un sintetizador fotoeléctrico que utilizaba un sistema de discos rotatorios y permitía crear versiones artificiales de melodías clásicas y populares en sintonía con la nueva era electrificada, anticipándose a las bandas sonoras electrónicas.

Ton Sirera – Pintura 62 i 63

Título: Pintura 62 i 63
Director: Ton Sirera
Año: 1962-63
Duración: 05:07
Color: Color
País: España

Ton Sirera, un personaje clave a la hora de entender de la reactivación cultural y artística en Lleida entre los años 1940 y 1960, fue un fotógrafo catalán cuyo trabajo creativo se realizó sobre todo en el campo del arte abstracto en fotografía y cine experimental. En Pintura 1962-1963, un estudio clásico sobre la correspondencia entre el color y la música, utiliza el rodaje de la evolución de una pintura para trasladar sus investigaciones sobre la pintura abstracta a la imagen en movimiento.