Radical TV – Frontier

Título: Frontier
Director: Radical TV
Año: 1988
Duración: 04:36
Color: Color
País: Japón

Frontier, de los desconocidos japoneses Radical TV, es una pieza muy curiosa de techno-pop. A pesar de lo peculiar que es el sonido, los principales miembros del grupo, Daizaburo Harada y Haruhiko Shono, eran, ante todo, artistas visuales. El elemento visual parecía ser tan importante, si no más, que la música en su singular propuesta y pueden apreciarse aquí muchos efectos de vídeo de computadora que fueron innovadores con esa estética digital/cibernética una década adelantada a su tiempo.

Phill Niblock – The Magic Sun

Título: The Magic Sun
Director: Phill Niblock
Año: 1966
Duración: 16:44
Color: B/N
País: USA

En 1966, el cineasta y compositor minimalista Phill Niblock filmó la actuación de Sun Ra Arkestra en la azotea de un edificio de apartamentos de la ciudad de Nueva York. Capturando primeros planos extremos (dedos golpeando teclas, labios soplando aire, platillos vibrando rápidamente) en una película en blanco y negro de alto contraste, Niblock creó un impactante montaje abstracto de diecisiete minutos que se convirtió en un clásico del cine underground de profunda belleza.

Lisa Rovner – Very Nice Very Nice

Título: Very nice very nice
Director: Lisa Rovner
Año: 2010
Duración: 03:55
Color: Color
País: Francia

Lisa Rovner, guionista y directora de Constellations y Sisters with Transistors, realiza su primera película en 2010 con motivo del Jalouse Rocks Paris Festival en la capital francesa. Rovner graba distintas actuaciones en directo de las bandas programadas en el cartel del festival y pone sobre las imágenes resultantes un sofisticado montaje sonoro de extractos encontrados en Very Nice Very Nice, el primer cortometraje del gran artista de vanguardia canadiense Arthur Lipsett.

Michael Snow – New York Eye and Ear Control

Título: New York Eye and Ear Control
Director: Michael Snow
Año: 1964
Duración: 34:36
Color: B/N
País: USA

En 1964, Michael Snow filma su primera película importante New York Eye and Ear Control, un encargo de Ten Centuries Concerts de realizar un film en torno a una experiencia musical. En ella, un recorte de la silueta de una mujer se muestra en distintos lugares mientras se escucha una banda sonora de free jazz, compuesta improvisadamente, según aseguran, para la película. Los músicos de jazz, entre los cuales se encuentran Albert Ayler y Don Cherry, posarán más adelante para la cámara en un estudio.

Martha Rosler – Semiotics of the Kitchen

Título: Semiotics of the Kitchen
Director: Martha Rosler
Año: 1975
Duración: 06:29
Color: B/N
País: USA

En Semiotics of the Kitchen, Martha Rosler aparece ante una mesa de cocina y nos va mostrando varios utensilios por orden alfabético. Rosler adopta el papel de una “anti Julia Child”, la popular chef de la televisión americana de quien se dice que, en los años sesenta, introdujo la cocina francesa en los hogares de Estados Unidos. El vídeo se considera una crítica de las versiones mercantilizadas de los roles tradicionales de las mujeres en la sociedad moderna.

Blanca Rego – Psycho 60/98

Título: Psycho 60/98
Director: Blanca Rego
Año: 2010
Duración: 03:51
Color: Color + B/N
País: España

Las escenas de ducha de Psicosis (1960) de Alfred Hitchcock y Psicosis (1998) de Gus Van Sant se entrecruzan en una edición fotograma a fotograma que parece penetrarnos como si fuera un cuchillo. La rápida sucesión de fotogramas individuales y archivos de audio extremadamente cortos producen imágenes y sonidos secundarios (fenómenos entópticos y endaurales) que crean una película que no sucede en la pantalla, sino en la memoria y desde nuestro inconsciente.

Joel Schlemowitz & Nicole Koschmann – Boulder-Brooklyn

Título: Boulder-Brooklyn
Director: Joel Schlemowitz & Nicole Koschmann
Año: 2001
Duración: 03:11
Color: Color
País: USA

Un rollo de película de tres minutos filmado en 16 mm por Joel Schlemowitz de Brooklyn (NY) y enviado por correo a Nicole Koschmann en Nederland, en las afueras de Boulder (Colorado). Los dos colaboradores tomaron imágenes en la misma película sin revelar, fusionando tomas de Nueva York y Colorado. El fenómeno de superposición permite que el agua aflore y transfigure el barrio de la ciudad neoyorquina, convirtiéndola en un espacio urbano líquido con reminiscencias poéticas.

Jean-Luc Godard – Une catastrophe

Título: Une catastrophe
Director: Jean-Luc Godard
Año: 2008
Duración: 01:10
Color: Color + B/N
País: Francia

Tras diez años de infructuosos intentos por parte de los directivos del Festival de Viena, que buscaban que Godard participara de algún modo en la muestra, al final pudieron convencerlo y éste presentó en la edición de 2008 Une catastrophe. La película es una especie de poema cinematográfico sobre la violencia y el amor, que combina material cinematográfico, sonidos, lenguaje y música, en un montaje que incluye extractos de El acorazado Potemkin (1925) y de la película colectiva People on Sunday (1930).

Albert Triviño – All Is Grace

Título: All Is Grace
Director: Albert Triviño Massó
Año: 2021
Duración: 14:50
Color: Color
País: España

Albert Triviño es cineasta experimental, programador audiovisual y socio fundador del cine Zumzeig Coop de Barcelona, donde actualmente forma parte del equipo de coordinación y programación. Su práctica fílmica se caracteriza por el tratamiento anti-icónico de la imagen y la producción de una obra que se mueve entre el vídeo, el super 8 y el 16mm. En All Is Grace explora la idea de la repetición y el montaje en cámara y pretende ser un estudio sutil de las cualidades expresivas y extáticas del cartucho super 8.

Isaki Lacuesta – 2012

Título: 2012
Director: Isaki Lacuesta
Año: 2010
Duración: 03:51
Color: Color
País: España

Cortometraje dirigido por Isaki Lacuesta y protagonizado por Barbara Lennie, presentado en la octava edición del Festival de Cortometrajes Notodofilmfest. En él, la cámara de Lacuesta persigue a una mujer en distintos momentos del año 2012, en la tradición del mejor cine doméstico. Más adelante, el autor aclarará que una vez filmó a la mujer que amaba y que ahora repite aquellos mismos planos, filmando a otra mujer a la que no sabría amar. ¿Hay alguien capaz de notar la diferencia?

The Brian Jonestown Massacre – Anemone

Título: Anemone
Director: The Brian Jonestown Massacre
Año: 2017
Duración: 05:32
Color: Color
País: USA

Alguien llamado Alembic Thought en Youtube tuvo la idea genial de asociar esta película, que muestra una danza romaní de una bailarina rumana afincada en Chicago llamada Alexandra, con Anemone, una de las mejores canciones de The Brian Jonestown Massacre, del álbum Their Satanic Majesties' Second Request. Los colores, la estética general del video y los sensuales movimientos de la bailarina parecen específicamente diseñados para este chute armonioso de rock psicodélico, cocinado a fuego muy lento.

Vivienne Dick – Guerillere Talks

Título: Guerillere Talks
Director: Vivienne Dick
Año: 1978
Duración: 24:29
Color: Color
País: USA

Inspirada en las pruebas de cámara de Andy Warhol y la novela experimental feminista de Monique Wittig Les Guérillères, Guerillere Talks es una compilación de retratos granulados –hechos con un solo rollo de Super 8– de “estrellas” femeninas de la escena musical no wave de fines de los setenta, incluidas Anya Phillips, Ikue Mori, Pat Place y Lydia Lunch. A partir de la improvisación, la directora registra a sus amigas jugando al flipper, fumando un cigarrillo, tocando la guitarra o sencillamente posando para la cámara.

Frank & Caroline Mouris – Impasse

Título: Impasse
Director: Frank & Caroline Mouris
Año: 1978
Duración: 10:44
Color: Color
País: USA

Un film-collage clásico de la animación abstracta que sigue el viaje de una diminuta flecha roja a través de multitud de espirales blancas y cascadas de color. Dirigida en 1978 por Caroline y Frank Mouris (Frank Film, Coney, LA LA, Making it in L.A.), la película, que juega y experimenta con las pegatinas de la marca Avery Label Company (que financió al fin y al cabo el film), fue restaurada en 2020 gracias a un esfuerzo de colaboración entre la Academy Film Archive y el Yale Film Archive.

Joaquim Puigvert – Exp nº 1

Título: Exp nº 1
Director: Joaquim Puigvert
Año: 1958
Duración: 01:37
Color: Color
País: España

En los Exp, Joaquim Puigvert utiliza el rayado de película como técnica de expresión animada y colorea con posterioridad las imágenes resultantes. Mucho más cerca de Norman McLaren que de Josep Mestres, Puigvert no entiende la abstracción total en sus trabajos y juega con el celuloide para crear una simbiosis musical entre imagen y sonido, confiriendo a sus pinturas fílmicas un ritmo visual juguetón y fresco que se desarrolla ante el espectador de forma natural, no forzada, casi espontánea.

Peter Hutton – Florence

Título: Florence
Director: Peter Hutton
Año: 1975
Duración: 07:00
Color: B/N
País: USA

Como las obras anteriores de Hutton, Florence es un estudio contemplativo de luces y sombras, texturas y planos, que hace bello uso de las cualidades tonales de la película de blanco y negro. A lo largo del film, hay un movimiento de revelación y ocultamiento en las nubes, reflejos y brumas, y en el comportamiento de la luz mientras pasa a través de las diversas aperturas o sustancias. Uno siente que, en ese contexto, Hutton está en paz y que mira a las cosas de manera más cercana que la mayoría de la gente.

Spectrum – How You Satisfy Me

Título: How You Satisfy Me
Director: Spectrum
Año: 1992
Duración: 04:08
Color: Color
País: UK

Spectrum es el grupo musical que formó Sonic Boom (Peter Kember) cuando Spacemen 3 se separó en 1991 y se atomizó en Sonic Boom / Spectrum, por un lado, y Spiritualized, por el otro. How You Satisfy Me es uno de los primeros temas que Kember compuso para su nueva banda y en él da pie a todo lo que siempre le había fascinado: el ensordecedor sonido de las guitarras saturadas, la belleza pop de las melodías de los sintetizadores y ese espíritu festivo que contrarresta unas letras trsites y, a menudo, con doble sentido.

Ichiro Sueoka – Vladimír Kempský's film

Título: Vladimír Kempský's film
Director: Ichiro Sueoka
Año: 2010
Duración: 09:02
Color: Color
País: Japón

Ichiro Sueoka estudiaba en el departamento de química en la Universidad de Ciencias de Tokio hasta que se cansó de las probetas y las fórmulas e inició una trayectoria que le ha convertido en uno de los cineastas japoneses más reconocidos de la escena experimental reciente. Devoto del Super 8, de los 16 mm y de la postproducción con atención al sonido, aquí presenta Vladimír Kempský's film, el metraje anónimo, debidamente manipulado, de una película casera de una familia rusa que se filmó a finales de los 70.

Bastian Clevé – Ausschnitt aus HOLI (3) FATEHPUR SIKRI

Título: Ausschnitt aus HOLI (3) FATEHPUR SIKRI
Director: Bastian Clevé
Año: 1980
Duración: 01:24
Color: Color
País: Alemania

Bastian Clevé comenzó a hacer cine personal en 1969 con cortometrajes que se convirtieron después en largometrajes. Pese a su aparente anonimato o poco reconocimiento, él fue ganando premios, realizando giras y dando conferencias por todo el mundo, hasta mudarse a Los Ángeles, donde aprendió el oficio de producir, se centró en el lado comercial de la realización de películas y abandonó el ruido visual y sonoro de sus primeros trabajos, llenos de errores y mineralizantes maravillas.

Barbara Sternberg – Burning

Título: Burning
Director: Barbara Sternberg
Año: 2002
Duración: 06:56
Color: Color
País: Canadá

Barbara Sternberg comenzó su carrera cinematográfica a mediados de la década de 1970 y fue una de las pocas directoras en Canadá que trabajaba en el género experimental o no narrativo en aquel momento. Activista militante del movimiento feminista, también contribuyó a la escena del cine experimental canadiense al incorporar una perspectiva femenina radical, jamás vista en un contexto presuntamente abierto pero reticente a cualquier movimiento que se desenvolviera fuera de lo normativo.

Phil Solomon – Yes I Said Yes I Will Yes

Título: Yes I Said Yes I Will Yes
Director: Phil Solomon
Año: 1999
Duración: 03:14
Color: Color
País: USA

Phil Solomon, el discípulo más aventajado de Stan Brakhage, es un cineasta experimental estadounidense cuyo trabajo generalmente combina metraje encontrado y original, que está fuertemente manipulado en una impresora óptica que da a las películas una calidad granulada, etérea y de ensueño. En esta ocasión, Salomon pone en práctica su particular método en un corto dedicado a su esposa con motivo de su enlace matrimonial, con música de Fred Astaire y la Orquesta de Johnny Green.

Vivienne Dick – Beauty Becomes the Beast

Título: Beauty Becomes the Beast
Director: Vivienne Dick
Año: 1979
Duración: 40:47
Color: Color
País: USA

La cineasta irlandesa Vivienne Dick se trasladó a los EEUU en 1977 y pronto se relacionó con el entorno No Wave y produjo una serie de cortometrajes en Super8, muchos de los cuales fueron rodados en localizaciones muy conocidas de Nueva York y protagonizados por miembros de bandas punk como Pat Place (Bush Tetras), Adele Bertei (The Contortions) o Lydia Lunch (Teenage Jesus and the Jerks), que aparece aquí en el papel de mujer atormentada, por un pasado más que insinuado de abuso sexual.

Kohei Ando – My Friends In My Address Book

Título: My Friends In My Address Book
Director: Kohei Ando
Año: 1974
Duración: 03:24
Color: Color
País: Japón

My Friends In My Address Book es un divertimento firmado por el cineasta experimental Kohei Ando, amigo personal de Shuji Terayama y productor asistente de su obra teatral. Una película conceptual con una interpretación musical de Come On-a My House de una cantante desconocida, en la que, de la forma más natural y cotidiana, aparecen uno a uno todos los amigos y amigas del director, anotados en su libreta de direcciones.

Saul Levine – Light Licks: By the Waters of Babylon: I Want to Paint it Black

Título: Light Licks: By the Waters of Babylon: I Want to Paint it Black
Director: Saul Levine
Año: 2011
Duración: 12:18
Color: Color
País: USA

Película perteneciente a la serie Light Licks, filmada con ocasión del primer viaje de Levine a Praga, donde intenta conectar el presente de la ciudad con su pasado y que despierta una serie de reflexiones en el cineasta sobre el judaísmo y la guerra. Alejada de los estándares del cine convencional, este breve trabajo hecho fotograma a fotograma está inspirado en el free jazz y la mística visionaria como medios de improvisación visual e invención de nuevas maneras de filmar.

Llorenç Soler – Gitanos sin romancero

Título: Gitanos sin romancero
Director: Llorenç Soler
Año: 1976
Duración: 34:16
Color: B/N
País: España

Gracias al rodaje y difusión de Gitanos sin romancero, Llorenç Soler sería admitido en los círculos de defensa y promoción del pueblo gitano. En ella, el director de El largo viaje hacia la ira documenta un proyecto inmobiliario para la construcción de un grupo de viviendas sociales para una comunidad de gitanos que ocupaban unas chabolas en los alrededores de la ciudad de Pontevedra, auspiciado por una entidad benéfica conocida por aquel entonces como Patronato de Asistencia Social.

Paul Clipson – Lightmaze

Título: Lightmaze
Director: Paul Clipson
Año: 2010
Duración: 41:06
Color: Color
País: USA

En el breve pero intenso curso de su trayectoria, Paul Clipson configuró un bosque de borrosas visiones, manchas de saturación acentuada y nerviosos ritmos definidores no sólo de una estética, sino de una entera condición existencial. Como botón de prueba, Lightmaze. Un trabajo que recorre las ciudades de San Francisco, Nueva York y Ámsterdam, y utiliza múltiples exposiciones de letreros de neón, semáforos y reflejos en el agua para transformar distintos espacios urbanos en una metrópolis nocturna única.

Dmitry Frolov – Psycho Attack over Soviets

Título: Psycho Attack over Soviets
Director: Dmitry Frolov
Año: 1991
Duración: 03:00
Color: Color
País: URSS

Película experimental dirigida por Dmitry Frolov, director ruso de cine independiente y director de fotografía, rodada en plena perestroika en la URSS en febrero de 1991 y protagonizada por el entonces baterista de la banda de psychobilly Meanstraitor Vladislav lyashchuk. Una rareza del cine independiente soviético que se vale de lo más simple para demostrar que poco más hace falta para llamar la atención y difundir un mensaje, por estrafalario que sea.

Carl E. Brown – Le Mistral, Beautiful But Terrible

Título: Le Mistral, Beautiful But Terrible
Director: Carl E. Brown
Año: 1997
Duración: 01:51:07
Color: Color
País: Canadá

Carl E. Brown es un fotógrafo, cineasta experimental y escritor canadiense. En sus películas, su estilo se caracteriza por trabajar el negativo directamente, de forma plástica y reinventando las herramientas convencionales del cine. Las imágenes resultantes son de colores vibrantes y saturados, liberando el espacio fílmico de cualquier relación con la realidad o voluntad de contar historia alguna. El uso de la química para crear paisajes visuales de tonos y ritmos concretos es lo que define sus filmes.

Keiichi Tanaami – Oh Yoko!

 

Título: Oh Yoko!
Director: Keiichi Tanaami
Año: 1973
Duración: 04:24
Color: Color
País: Japón

Animación del artista japonés Keiichi Tanaami para la canción de John Lennon Oh Yoko!. El tema se lanzó en 1971 y la animación se realizó en 1973, como homenaje a la popular pareja incluyendo imágenes de su célebre desnudo para el álbum Two Virgins, submarinos amarillos, fresas y otros símbolos de la cultura estadounidense como las hamburguesas, las motocicletas o el omnipresente Elvis Presley. Keiichi Tanaami es uno de los principales artistas pop del Japón de la posguerra.

Matthias Müller – Alpsee

Título: Alpsee
Director: Matthias Müller
Año: 1995
Duración: 13:29
Color: Color
País: Alemania

Fotografiada con un ojo exquisito para los interiores y una invención inquieta, Alpsee escenifica el fin de la inocencia de un niño, ese doloroso desgarro entre la dependencia infantil y la individuación madura. Casi sin palabras, Müller procede por analogía y sinécdoque, reuniendo momentos enmarcados con precisión dentro del hogar y poniéndolos sobre la mesa como evidencia. Su magnífico esquema cromático y su iluminación en clave alta reflejan además las notas significativas de los trabajos de Müller durante los 80.

Klaus Wyborny – Pictures of the Lost World

Título: Pictures of the Lost World
Director: Klaus Wyborny
Año: 1975
Duración: 50:30
Color: Color
País: Alemania

Una serie de imágenes estáticas o de suave vaivén que a veces son paisajes bucólicos pero más a menudo industriales (puertos fangosos, líneas eléctricas, estaciones de ferrocarril abandonadas o fábricas desiertas). Wyborny, cineasta alemán, productor, director de cine, actor, cámara y guionista, fotografía las ruinas de la modernidad en su forma más deslumbrante: al amanecer o al atardecer, parcialmente reflejadas en el agua o vislumbradas a través de los árboles.

Ichiro Sueoka – Ich bin der Welt abhanden gekommen

Título: Ich bin der Welt abhanden gekommen
Director: Ichiro Sueoka
Año: 2003
Duración: 00:54
Color: B/N
País: Japón

Aprovechando la cita de un poema de Friedrich Rückert, Ichiro Sueoka diserta sobre la tristeza de la desaparición con Ich bin der Welt abhanden gekommen, un brevísimo trabajo que recupera algunas escenas de Kioto de 1934, grabadas por un aficionado anónimo y afectadas por hidrólisis como resultado de un almacenamiento inapropiado durante décadas. Lo que nos dice Sueoka con este experimento tan original y cuya música recuerda a The Velvet Underground es que la película no es un documento inmortal, sino una existencia que se desvanece.

Jim Jennings – Public Domain

Título: Public Domain
Director: Jim Jennings
Año: 2007
Duración: 14:15
Color: Color
País: USA

Más allá de su engañosa sencillez, las películas de Jim Jennings -siempre retratos urbanos de la ciudad de Nueva York- demuestran que hay otras formas de mirar y filmar. No es la ciudad en sí lo que se ve a través de la cámara, sino la luz que la ciudad refleja, filtrada y depurada y puesta en película de 16mm. Que las películas no tengan sonido amplifica la sensación de desarraigo. Sin embargo, la energía de la ciudad es tangible y ocasionalmente audible, como una banda sonora imaginaria.

Lisa Rovner – Sick From Dancing For You

Título: Sick From Dancing For You
Director: Lisa Rovner
Año: 2011
Duración: 03:05
Color: Color
País: USA

Con formación en ciencias políticas, la primera incursión seria en el cine de la artista y cineasta Lisa Rovner se produjo mientras trabajaba en un videoclub de Nueva York. Animada por un cliente a dedicarse a la dirección, la franco-estadounidense se mudó a París y fundó Message is the Medium, una consultoría creativa que cuenta con películas tan peculiares como Sick From Dancing For You, un trabajo cuyo interés no radica en su técnica, sino en la difusión del mensaje a través de una experiencia estética fuera de la norma.

Teo Hernandez – L'Eau de la Seine

Título: L'Eau de la Seine
Director: Teo Hernandez
Año: 1982-83
Duración: 11:12
Color: Color
País: Francia

A través de esta película, caracterizada por un montaje espasmódico, vivo y chispeante, Teo Hernández filma el agua del Sena y sus reflejos como un material luminoso. El director intercala deslumbrantes planos del río con referencias pictóricas, aplica la técnica de filmación "en movimiento" y subestima los encuadres y otros estándares cinematográficos. El trabajo forma parte de la Saga Paris, que contiene otros films tan turbadores como Notre Dame de Paris o completamente abstractos como éste o La Foire du Trône.

Man Ray – Les Mystères du Château du Dé

Título: Les Mystères du Château du Dé
Director: Man Ray
Año: 1929
Duración: 19:46
Color: B/N
País: Francia

En 1929, Man Ray, el fotógrafo americano expatriado a París, cercano a los surrealistas y dadaístas, realizó un film pedido por el Vizconde Charles de Noailles, Les mystère du château du Dé (Los misterios del castillo de dados), sobre su villa de Hyères, concebida por el arquitecto y director artístico de decorados Robert Mallet-Stevens. Man Ray aceptó el encargo porque el vizconde le garantizó que sería remunerado, que tendría total libertad para su filmación y que la película no vería nunca la luz, más allá de círculos cerrados.

Telemach Wiesinger – Mexico City

Título: Mexico City
Director: Telemach Wiesinger
Año: 2011
Duración: 04:07
Color: Color
País: Alemania

Fotógrafo y cineasta experimental, Telemach Wiesinger (Signal, Doppelgänger, Kaleidoscope…) recupera el anhelo de las vanguardias históricas, convocando a los fantasmas de Deslaw, Moholy-Nagy o Schuitema. Bajo un enfoque fundamentalmente documental, sus piezas en blanco y negro son a la vez poemas visuales, travelogues y retratos antropológicos de la actividad económica y de la arquitectura de los lugares que visita y quiere conocer profundamente; en este caso, México D.F.

Peggy Ahwesh – Beirut Outtakes

Título: Beirut Outtakes
Director: Peggy Ahwesh
Año: 2007
Duración: 07:24
Color: Color + B/N
País: USA

En la década de 1980, un tal Sr. Salloum encontró por casualidad un alijo de reels deteriorados de películas comerciales, trailers y anuncios en un teatro abandonado en Beirut (Líbano). Años después, inspirada en aquel material como un marcador histórico de la cultura de los medios populares durante la era de la guerra civil libanesa y como documento del orientalismo occidental, Peggy Ahwesh editó una selección de aquellos fragmentos en un montaje elocuente de viejos dramas libaneses y películas de acción occidental.

Lawrence Jordan – Orb

Título: Orb
Director: Lawrence Jordan
Año: 1973
Duración: 04:39
Color: Color
País: USA

Conocido principalmente como un espíritu inconformista en el mundo del cine estadounidense de vanguardia, Lawrence Jordan es un activista del audiovisual más heterodoxo. En Orb, intentó ejecutar una visión totalmente preconcebida basada en las permutaciones de un disco, que combinó con imágenes oníricas de paisajes, auroras boreales y recortes de grabados victorianos en modo collage. Su enfoque alquímico de las imágenes crea lo que él denomina el "teatro de la mente, que tú construyes".

Jean-Gabriel Périot – 200000 fantômes

Título: 200000 fantômes
Director: Jean-Gabriel Périot
Año: 2007
Duración: 10:52
Color: B/N
País: Francia

200.000 fantômes, de Jean-Gabriel Périot, propone una mirada atenta e inquisitiva, siempre dolorosa, hacia un hito de la historia contemporánea como el bombardeo de Hiroshima en este caso, a través de un minucioso trabajo de montaje y reutilización de la imagen de archivo capaz de alumbrar nuevas cuestiones en torno al hecho histórico en discusión, pero también al modo en que la imagen muestra (u oculta) las implicaciones que, convencionalmente, se le suponían a aquél.

Roger Barlow, Harry Hay, Hy Hirsch & LeRoy Robbins – Even - as you and I

Título: Even - as you and I
Director: Roger Barlow, Harry Hay, Hy Hirsch & LeRoy Robbins
Año: 1937
Duración: 12:02
Color: B/N
País: USA

Después de ver un anuncio en una revista para un concurso de cortometrajes, el actor Harry Hay y los fotógrafos de Works Progress Administration (WPA) Roger Barlow y LeRoy Robbins entraron en acción y crearon Even—As You and I, un corto paródico que los representa a sí mismos como cineastas arruinados que improvisan clichés de sus películas de vanguardia favoritas -las de Buñuel y Dalí, Richter, Vertov y Eisenstein- en una película tonta dentro de la misma, en homenaje al surrealismo.

Věra Chytilová – Daisies

Título: Daisies
Director: Věra Chytilová
Año: 1966
Duración: 01:15:53
Color: Color
País: Checoslovaquia

"Si en este mundo todo está corrompido, estaremos corrompidas nosotras también”. Así se activa el mecanismo que pone en marcha esta película del cine surrealista y experimental moderno: una tras otra, se irán produciendo escenas inconexas en las cuáles las dos mujeres protagonistas juegan a ser malévolas con su entorno. Rodada dos años antes de la Primavera de Praga, la película fue censurada por las autoridades comunistas después de la invasión de Checoslovaquia por la URSS; y su directora, marginada hasta pasado 1975.

Pan American – Outskirts, Dreamlit

Título: Outskirts, Dreamlit
Director: Pan American
Año: 2022
Duración: 06:28
Color: Color
País: USA

Tres años después del lanzamiento de A son, Pan American vuelve con el envolvente Outskirts, Dreamlit, primer tema de su nuevo disco, The Patience Fader, editado como de costumbre por el sello de Chicago Kranky. Y la mano de Mark Nelson, vocalista y guitarrista de la banda Labradford, vuelve a notarse en estos siete minutos que nos transportan a paisajes interiores insólitos, muy bien acompañados aquí por las imágenes de las carreteras polvorientas de la América profunda.

Cécile Fontaine – Holywoods

Título: Holywoods
Director: Cécile Fontaine
Año: 2008
Duración: 08:16
Color: Color
País: Francia

El cine táctil de Cécile Fontaine es una exploración matérica y plástica sobre la naturaleza de la imagen, la memoria y la historia. Con herramientas domésticas no fílmicas, como cinta adhesiva, tijeras o punzones y mediante reacciones químicas, recompone y crea collages fantásticos a partir de todo tipo de imágenes encontradas —películas turísticas, publicitarias, familiares, documentales, ficciones— construyendo nuevos objetos fílmicos que metamorfosean su aspecto (texturas, colores, contenidos).

Ralph Thanhauser – Godard In America

Título: Godard In America
Director: Ralph Thanhauser
Año: 1970
Duración: 43:53
Color: B/N
País: USA

Primavera de 1970. Godard y Jean-Pierre Gorin, del Grupo Dziga-Vertov, recorren las principales universidades estadounidenses proyectando See You at Mao, con el fin de recaudar fondos para terminar una película sobre el movimiento palestino Al Fatah (un proyecto que nunca se realizó). Thanhauser, un estudiante de Harvard, captura la energía intelectual de aquel momento y pone en relieve el enorme atractivo de estos cineastas franceses para una nueva generación de jóvenes estadounidenses políticamente comprometidos.

Martha Colburn – Cruising with Pat O'Neill

Título: Cruising with Pat O’Neill
Director: Martha Colburn
Año: 2021
Duración: 03:59
Color: Color
País: USA

Ésta es la primera de una serie de películas sobre automóviles en las que llevan colaborando desde hace tiempo el artista visual Pat O’Neill y la cineasta experimental Martha Colburn. A partir de una selección de fotografías hechas en la carretera por el autor de Water and Power, Trouble in the Image y The Decay of Fiction, Colburn aplica sus técnicas autodidactas de montaje en un trabajo de corte singular, con banda sonora firmada por PW Shelton, manipulada para la ocasión con algún que otro efecto sonoro marca de la casa.

Tehching Hsieh – One Year Performance 1980-1981 (Time Clock Piece)

Título: One Year Performance 1980-1981 (Time Clock Piece)
Director: Tehching His
Año: 1981
Duración: 06:44
Color: Color
País: USA

A fines de la década de los 70, Tehching Hsieh realizó cinco episodios de la performance One Year Performances and a Thirteen Year Plan. La segunda de ellas, Time Clock Piece, se desarrolló desde abril de 1980 hasta abril de 1981. Durante ese año, Hsieh estuvo simulando, cada hora en punto, que fichaba, como si fuera un trabajador normal en su hora de entrada. Se fotografió a sí mismo cada vez que lo hacía y las miles de imágenes se convirtieron en una película en time-lapse, condensando un año en seis minutos.

Ondi Timoner – Dig!

Título: Dig!
Director: Ondi Timoner
Año: 2004
Duración: 01:46:32
Color: Color
País: USA

Aclamado documental que sigue la trayectoria de dos artistas que iniciaron su carrera con la determinación de revolucionar el panorama musical de los 90. Líderes de sus respectivas formaciones, Anton Newcombe, desde The Brian Jonestown Massacre, y Coutney Taylor, desde The Dandy Warhols, se van convirtiendo, con sus respectivas trayectorias, en anverso y reverso de la caprichosa moneda de la fama. Un estudio imprescindible, desde dentro, del convulso mundo del rock’n'roll.

Tan Jui Chen – Birth

Título: Birth
Director: Tan Jui Chen
Año: 1998
Duración: 01:14
Color: Color
País: Japón

Tan Jui Chen, también conocido como Tan JC, rueda aquí el nacimiento de su hijo en 1998. El sonido rítmico de los latidos del corazón del niño en el paritorio, justo antes de nacer, marca la velocidad y el pulso de la película en un crescendo que culmina con el llanto del recién nacido, al salir del vientre de su madre. El documento, con su particular pátina de postproducción y su característico audio, demuestra que puede producirse un trabajo experimental a partir de un hecho de lo más cotidiano.

Bruce Baillie – To Parsifal

Título: To Parsifal
Director: Bruce Baillie
Año: 1963
Duración: 15:21
Color: Color
País: USA

En To Parsifal, una de las primeras películas de Bruce Baillie, el cineasta rinde tributo a la leyenda de Perceval, personaje literario con el que, según confesión propia, siempre se ha sentido personalmente identificado por su carácter idealista y soñador, y que encaja en la definición que P. Adams Sitney dio del propio autor: “héroe lírico”, un (anti)héroe en busca de otros (anti)héroes, despreciados por el avance del progreso y la tecnología, por la política o por la sociedad.

Aloysio Raulino – O Porto De Santos

Título: O Porto De Santos
Director: Aloysio Raulino
Año: 1978
Duración: 19:35
Color: B/N
País: Brasil

Reconocido por ser uno de los directores de fotografía más importantes del cine brasileño, desde finales de los años sesenta hasta la primera década del siglo XXI, Aloysio Raulino realizó una serie de películas que interrogan de manera muy poética el acto de acercarse al cuerpo social de un país a través de los ojos del cine. Aquí, los paisajes y las gentes del puerto de Santos, el mayor de América Latina, se entremezclan en la visión del trabajo en los muelles y las noches bohemias de los embarcaderos.

Aldo Tambellini – Black Is

Título: Black Is
Director: Aldo Tambellini
Año: 1965
Duración: 03:38
Color: B/N
País: USA

Cuando está oscuro, aparecen ciertas reacciones perceptivas en el espectador. El negro proyecta siempre una variedad continua de imágenes, visiones llenas de preguntas enigmáticas e inquietantes sobre el oscuro destino de la naturaleza humana. Más allá de su uso como mero signo de puntuación en su habitual universo fílmico, las películas de Aldo Tambellini exploran las posibilidades expresivas y perceptivas de ese punto ciego y vacío singular de la pantalla, rastreando de manera primitiva el medio.

Joe Rees – The Screamers - 122 Hours of Fear

Título: The Screamers - 122 Hours of Fear
Director: Joe Rees
Año: 1978
Duración: 04:40
Color: Color
País: USA

La banda más influyente de la escena punk californiana de los años 70 no eran de California (eran de Seattle, Washington), no usaban guitarra ni bajo como seña de identidad y jamás tuvieron contrato con ninguna discográfica ni grabaron disco alguno. Se llamaban The Screamers y aquí presentan 122 Hours of Fear, una de sus canciones emblemáticas y más intensas, jalonadas y bailadas, en un directo para el recuerdo en el escenario de Mabuhay Gardens de San Francisco (USA) el 2 de septiembre de 1978.

Tusk TV Archives – Eiko Ishibashi & Jim O'Rourke

Título: Eiko Ishibashi & Jim O'Rourke
Director: Tusk TV Archives
Año: 2020
Duración: 44:38
Color: Color
País: USA

La leyenda de la experimentación y la improvisación, Jim O’Rourke (Stereolab, Sonic Youth, Wilco, John Fahey), volvió a unir sus fuerzas con su colaboradora de siempre, la multi-instrumentista, cantante y productora de música electrónica japonesa Eiko Ishibashi, para presentar una de sus poco comunes colaboraciones en vivo en el marco de la edición virtual del Tusk Festival de 2020, como consecuencia de los confinamientos provocados por la pandemia del Covid-19.

Sally Pugh – Huey!

Título: Huey!
Director: Sally Pugh
Año: 1968
Duración: 46:49
Color: B/N
País: USA

En 1967, el cofundador de los Black Panther Party for Self-Defense, Huey P. Newton, fue arrestado y acusado del asesinato de un oficial de policía. Su organización, que en aquel momento estaba al borde del colapso, cerró filas en torno a él e inició una gran campaña que se desarrolló durante su juicio y sus dos años de prisión, lo que convirtió a Newton en uno de los iconos clave de 1968. Escrita y dirigida por Sally Pugh, la película aboga por su liberación y aborda cuestiones de racismo en la sociedad estadounidense.

Tabeta Hito – Kazufumi Fujino

Título: Kazufumi Fujino
Director: Tabeta Hito
Año: 1963
Duración: 23:27
Color: B/N
País: Japón

Una camarera de un restaurante abarrotado sueña que es apresada en una mesa de operaciones y la comida que hay en su interior se sirve a los clientes. Película de horror psicológico de Kazufumi Fujino, autor del que no se volvería a saber nada más en la escena del cine experimental japonés, Tabeta Hito es una singular meditación sobre el canibalismo, una experiencia surrealista en un atmosférico y perturbador blanco y negro, que además cuenta con la fotografía etérea de Nobuhiko Obayashi.

Jem Cohen – Chain

Título: Chain
Director: Jem Cohen
Año: 2004
Duración: 01:36:19
Color: Color
País: USA

No es Jem Cohen uno de esos cineastas que se prodiguen en exceso en el terreno del largometraje de ficción, más habituado al formato del cortometraje o del documental musical (Instrument, Benjamin Smoke…). Por eso, resulta tan sorprendente Chain, una crítica al poscapitalismo donde por primera vez Cohen integra personajes de carne y hueso; en este caso, dos mujeres de distinta edad, condición social y origen geográfico, que marcan el pulso de la película sin llegarse a cruzar en ningún momento.

Jorge Honik – Komik

Título: Komik
Director: Jorge Honik
Año: 1969
Duración: 01:49
Color: Color
País: Argentina

Después de finalizar sus estudios universitarios en farmacéutica, Jorge Honik viajó durante diez años por Europa, África, Asia y América. Esta experiencia fue decisiva en sus trabajos visuales y literarios, lo cual se hace evidente en algunas de sus películas en Súper 8 realizadas junto a Laura Abel como Komik: un trabajo realizado en el local abandonado de un centro turístico de Argelia que da pie a una formalización espectacular a partir de los signos visuales que nos cruzamos cuando viajamos.

Hollis Frampton – Surface Tension

Título: Surface Tension
Director: Hollis Frampton
Año: 1968
Duración: 09:31
Color: Color
País: USA

Surface Tension fue el primer cortometraje dirigido por el cineasta estadounidense Hollis Frampton tras experimentar con la fotografía durante unos años, inmediatamente después de abandonar para siempre sus aspiraciones como poeta, tutelado nada menos que por Ezra Pound. Aquí el director reflexiona sobre el tiempo y el espacio, y ya da las primeras pinceladas de su particular sentido del humor y de su predilección por las películas no narrativas, autobiográficas y visualmente poéticas.

Martha Colburn – Feature Presentation

Título: Feature Presentation
Director: Martha Colburn
Año: 1994
Duración: 06:41
Color: B/N
País: USA

Doble versión de Feature Presentation, de Martha Colburn, a partir de fragmentos de metraje encontrado del largometraje Old Yeller, producido por Walt Disney en 1957. Al rayar, teñir y empalmar la película, Colburn realiza sus primeras piezas fílmicas a través de la simple manipulación de imágenes apropiadas. Otra de sus particularidades es la banda sonora de la primera de las dos versiones a cargo de The Dramatics, la banda que la propia Colburn formó en Baltimore a principios de 1994 junto a Jason Willett.

Michael Snow – So Is This

Título: So Is This
Director: Michael Snow
Año: 1982
Duración: 48:40
Color: B/N
País: USA

Realizada a principios de los años ochenta, cuando el cine experimental se interesaba por los aspectos más textuales del medio y priorizaba una aproximación semiótica y estructural, So Is This constituye un ejercicio de textualidad fílmica. Michael Snow graba, sin sonido, una larga sucesión de palabras de color blanco que van apareciendo sobre un fondo negro. Con una sola palabra en la pantalla (en ningún momento se ve más de una), se van configurando mensajes en torno a la palabra this.